Compositores que inventaron o popularizaron nuevas formas musicales en la Historia

¿Quiénes son algunos de los compositores que inventaron nuevas formas musicales (o al menos las popularizaron)? Acá haremos un repaso muy rápido por aquellos que lo cambiaron todo. Por supuesto iniciando desde el siglo X que si partimos desde antes los griegos abarcarían todo, pero sería muy interesante hacer un repaso desde la prehistoria. Estaría lleno de autores anónimos lamentablemente y algunos mitológicos como Orfeo y Apolo.

Siglos X-XII: varios compositores anónimos que innovaron las primeras formas de polifonía.

Siglo XIII: Leonin y Perotin compusieron música polifónica a tres y cuatro voces (organum) para la catedral de Notre Dame de París. Crearon el motete e introdujeron modos rítmicos como base para la organización rítmica.

Principios del siglo XIV: Philippe de Vitry introdujo los metros que utilizamos hoy como base para la organización rítmica.

Siglo XIV: En su Misa de Notre Dame, Guillaume de Machaut fue el primer compositor en poner música a todo el ordinario de la Misa (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus/Benedictus, Agnus Dei). Esto se convirtió en estándar a partir de entonces. También estandarizó la textura de cuatro voces. La misa, el motete y el madrigal (y en Francia, la chanson) se convirtieron en los principales tipos de música compuestos por los compositores europeos durante dos siglos y medio.

Siglo XV: Dunstable, un compositor inglés, introdujo un nuevo sonido, el tercero, en la Europa continental. Se llamó «continencia inglesa». La tercera recién legitimada fue esencial para el desarrollo de la tonalidad.

Siglo XV: Dufay y Ockeghem fueron las primeras figuras principales de la escuela de polifonía franco-flamenca. La suya era una forma de polifonía no imitativa; se extendió rápidamente por Europa a principios del siglo XVI.

Finales del siglo XV: Josquin des Prez, también franco-flamenco, fue el primer compositor en utilizar polifonía imitativa en toda una pieza (Ave María-Virgo Serena). Esta pieza estableció esta técnica durante todo el siglo XVI. También fue el primero en utilizar la síncopa, las progresiones armónicas tonales y la repetición de motivos para construir clímax.

Siglo XVI: William Byrd y otros compositores ingleses fueron los primeros en escribir variaciones de temas originales y existentes, para teclado, laúd, etc.

Siglo XVII: Monteverdi fue el primer compositor importante en componer ópera (Orfeo; Coronación de Popea, que contiene los rudimentos del recitativo y el aria)

Siglo XVIII: Vivaldi. Sus decenas de conciertos para las niñas del orfanato donde trabajaba sirvieron de modelo para los conciertos de Bach y sus contemporáneos.

Primera mitad del siglo XVIII: JS Bach se destacó más por desarrollar formas vocales e instrumentales existentes hasta su máxima realización que por inventar nuevas formas. Fue el primer (y último) compositor en componer dos conjuntos completos de preludios y fugas en cada tonalidad, mayor y menor. Las fugas en el WTC se convirtieron en la Biblia para los compositores posteriores sobre cómo escribir una fuga.

Siglo XVIII: Haydn vivió lo suficiente como para escribir sinfonías maduras, sonatas para teclado y obras de cámara. Estos sirvieron de modelo a Mozart, Beethoven y Schubert.

Siglo XVIII: Pergolesi se destaca por componer la primera ópera cómica que satiriza la actualidad, género por el que Mozart se hizo famoso.

Principios del siglo XIX: Beethoven amplió el alcance de la música sinfónica y de cámara, y la capacidad expresiva de la música. Mostró lo poderosa que puede ser la música.

Principios del siglo XIX: Beethoven fue el primer compositor importante en componer la primera sinfonía descriptiva (la 6.ª) y la primera sinfonía en emplear la voz humana (9.ª), influyendo en Berlioz y Mahler, entre otros.

Principios del siglo XIX: Rossini, Bellini y Donizetti popularizan el estilo bel canto (estilo de canto operístico que se caracteriza por resaltar la belleza sonora y el virtuosismo) de canto y escritura para ópera.

Principios del siglo XIX: Schubert, por componer canciones en conjuntos (ciclos de canciones).

Principios del siglo XIX: Schumann, para componer canciones y piezas de personajes en conjuntos

1841 y 1845: Schumann y Mendelssohn, por componer los primeros conciertos para piano sin exposición orquestal, característica que se encuentra en todos los conciertos de Mozart y Beethoven.

Siglo XIX: Chopin, por componer un vasto repertorio de géneros pianísticos (Preludios, Estudios, Nocturnos, Mazurcas, etc.) que se convirtió en la base de la técnica pianística moderna, el repertorio pianístico moderno y géneros similares durante el resto del siglo.

Siglo XIX: Berlioz (Sinfonía Fantástica) y Liszt (Sinfonía de Fausto) ayudaron a popularizar el programa sinfónico.

Siglo XIX: Las oberturas La cueva de Fingal y El sueño de una noche de verano de Mendelssohn sirvieron de modelo para los poemas sinfónicos, también llamados poemas sinfónicos, de Liszt y R. Strauss.

Mediados/finales del siglo XIX: Wagner es famoso por componer óperas compuestas, a diferencia de las numéricas, y por el uso de motivos de izquierda como elementos vinculantes en una ópera.

Los compositores de finales del siglo XIX y principios del XX, Debussy, Stravinsky y Schönberg, abrieron nuevos mundos sonoros. Schönberg en particular es conocido por la creación del sistema de composición de 12 tonos.

Principios del siglo XX: George M. Cohan y sus contemporáneos crearon un nuevo género de drama cantado, conocido como Teatro Musical.

Siglo XX: El jazz tiene muchas raíces y estilos que se remontan a finales del siglo XIX. Las primeras figuras incluyen a Scott Joplin y Jelly Roll Morton. Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis, entre muchos otros, enriquecieron la tradición.

Décadas de 1940 y 1950: con raíces en el jazz, el country, el ritmo y el blues y otras formas, el rock.