El Manifiesto del Flaco Spinetta + Documental de Artaud

Spinetta & Artaud

Uno de los fenómenos más hermosos en el mundo del arte es cuando dos genios se unen sin importar el tiempo, espacio, ni la forma en la que lo hacen, simplemente sucede y casi siempre de esta unión pare una obra tan majestuosa que queda prendada para siempre en la historia de la humanidad. Este es el caso de Spinetta y Artaud, separados por los años, unidos por el pensamiento. Artaud fue el gran referente del Flaco a la hora de componer todas aquellas letras cargadas de magia y surrealismo. Hace unos días se cumplía un aniversario más del onomástico de nuestro amado Flaco, hoy he tenido el tiempo para dedicarle ‘el post que se merece’ en frases taringueras, bueno, no el que se merece, éso me tomaría todo un libro, pero sí algo que ustedes se merecen. Gracias a nuestra buena amiga la o el internet he encontrado un documental sobre el mejor disco de la historia del rock en español, la obra maestra de Luis Alberto Spinetta: Artaud, hace algunos meses, o años, escribí un post semi completo sobre este tesoro de disco, lo pueden encontrar (y bajar el disco as well) here: http://bit.ly/qwH1MT  .

Artaud by gelpgim22

Escuchar la historia de cómo se hizo uno de tus discos favoritos en voces de quienes lo hicieron, además de escuchar las anécdotas, mitos y desmitificaciones alrededor de éste, es algo que siempre se aprecia sobremanera, y como bien sabemos Spinetta es de los mejores cuenta cuentos con elocuencia cuasi metafísica que han existido. Escuchar los testimonios, la fuente de inspiración de cada una de las canciones, el paso a paso de cómo se las iba componiendo y grabando, todo muy hermoso, mientras escribo ésto me he puesto a ver el documental otra vez, y ustedes tienen que hacer lo mismo. Pónganle play.

 

 

No conocía sobre este gran programa de la televisión argentina llamado ‘Elepé’, se ve que es anterior a los documentales Quizás Porque (que ahora se me ocurre sería muy buena idea postearlos), y aquel maravilloso programa Cómo hice hosteado por Emilio del Guercio de Almendra. ‘Artaud’ marcó todo un hito en la música argentina y latinoamericana en general, es poesía pura, composiciones que elevan tu consciencia, no me imagino cómo serían aquellos recitales de los Domingos en la mañana donde Spinetta tocaba el disco en su totalidad, imaginen estar ahí escuchando Cantata de Puentes Amarillos o Bajan siendo tocados por el Flaco acompañado simplemente de su guitarra. Toda aquella gente que asistió a aquellos conciertos deben ser gente bendita. En estos recitales a todos los asistentes les era entregado el manifiesto “Rock: música dura. La suicidada por la sociedad,” de puño y letra del mismo Luis Alberto. Claramente influenciado en su héroe Antonin Artaud y su Van Gogh el suicidado por la sociedad. Un tesoro literario que no pueden dejar de leer. Sobre manifiesto el Flaco diría: El manifiesto no sólo estuvo motivado por mis lecturas, sino por el hecho de que existía un rechazo generalizado hacia el rock de parte de quienes sostenían que no era música argentina y que nosotros no formábamos parte de la sociedad y la cultural local. Creo que hoy esa marginación ya no es igual, por eso considero que la parte filosófica del manifiesto es más vigente que aquellas partes donde hay apreciaciones en el campo de lo profesional.” 

Spinetta: Rock: música dura. La suicidada por la sociedad

ROCK: MÚSICA DURA.
LA SUICIDADA POR LA SOCIEDAD.

Son tantos los matices que comprenden la actitud creativa
de la música local – entendiendo que en esa actitud existe
un compromiso con el momento cósmico humano–,
son tantos los pasos que sucesivamente deforman
los proyectos, incluso los más elementales como ser
mostrar una música, reunir mentes libres en un
recital, producir en suma algún sonido entre la maraña
complaciente y sobremuda que:

EL QUE RECIBE DEBE COMPRENDER
DEFINI TI VAMENTE QUE LOS PROYECTOS EN
MATERIA DE ROCK ARGENTINO
NACEN DE UN INSTINTO.

Por lo tanto: el Rock no le concierne a ciertas músicas que
aparentemente INTUIDAS POR LAS NATURALEZAS
DE QUIENES LAS EJECUTAN siguen guardando
una actitud paternalista, tradicional en el sentido enfermo
de la tradición, formulista, mitómana, y en la última
floración de esta contaminación, sencillamente
“facha”.

Sólo en la muerte muere el instinto. Por lo tanto, si éste se
mantiene invariable, adjunto a la condición humana a la que
necesitamos modificar para reiluminarnos masivamente,
quiere decir que tal instinto es la vida.

El Rock no es solamente una forma determinada de ritmo
o melodía. Es el impulso natural de dilucidar a través
de una liberación total los conocimientos profundos
a los cuales, dada la represión, el hombre cualquiera no
tiene acceso.

El Rock muere sólo para aquellos que intentaron siempre
reemplazar ese instinto por expresiones de lo superficial, por
lo tanto lo que proviene de ellos sigue manteniendo
represiones, con lo cual sólo estimulan “EL CAMBIO”
exterior y contrarrevolucionario. Y no hay cambio posible
entre opciones que taponan la opción de la
liberación interior.

El Rock no ha muerto.

En todo caso, cierta estereotipación en los gustos de los
músicos debería liberarse y alcanzar otra luz.
El instinto muere en la muerte, repito.
El Rock es el instinto de vivir y en ese descaro y en
ese compromiso.

Si se habla de muerte se habla de muerte, si se habla
de vivir, VIDA.
Más vale que los rockeros, cualesquiera sean sus tendencias
(entre las cuales dentro de lo que se entiende por
instinto de Rock no hay mayores contradicciones) jamás
se topen con los personajes hijos de puta demonios
colaterales del gran estupefaciente de la represión
que pretende conducirnos por el camino de la
profesionalidad.

Porque en esa profesionalidad se establece
–y aquí entran a tallar todas las infinitas contusiones
por las que se debe pasar hasta llegar a dar–
un juego que contradice a la liberación, que pudre el
instinto, que modifica como un cáncer incontenible
la piel original de la idea creada hasta hacerla, en
algunos casos, pasar a través de un tamiz en el que la
energía totalizadora de ese nuevo lenguaje abandona la
sustancia integral que el músico dispuso por instinto en su
momento de crear, y luego esa abortación está presente en
los escenarios, en la afinación, hasta en la imagen
exterior del mensaje cuando por fin se hace
posible verlo.

Tengo conciencia de que el público ve esta debilidad y
no se libera: sufre.
Luego esta ausencia de totalidad, esa parcialidad, es el negocio
del Rock.
El negocio del cual viven muchos a costa de los músicos,
poetas, autores, y hombres creativos en general. O
sea, esta difamación de proyectos sólo adquiere
relieve en esa “ganancia” que representa haber ejecutado el
negocio, y solamente en ese nivel hay una aparente eficacia.
Es la parcialidad de pretender que algo que es de todos
termina en definidas cuentas en manos de aquellos
bastardos de siempre.

Este mal, por último rebote, cae nuevamente
en la nuca de los músicos, y los hace pelota.
Luego de participar del juego, son muy pocos los que aun
permanecen con fuerzas para impedir la trampa al repetir
una y otra vez el juego mediante el cual expresarse,
o simplemente arriesgar en el precipicio de
la deformación un mensaje que por instintivo es puro
y debería llegar al que lo recibe tal cual nació.
Este juego pareciera ser el único posible
(hay mentalidades que nos fuerzan a que sea así).
Lo importante es que hay otros caminos.

Luego de haber caído tantas veces antes de ejecutar
esa caída final, parábola definitiva en la que se cierran los
cerebros para no amar ni dar, hay muy pocos
músicos que pueden seguir conservando ese instinto.
DENUNCIO
SIN EL LIMITE DE LA DENUNCIA
A LO QUE NO RECIBE DENUNCIA
A LO QUE LA DENUNCIA TRASPASA
A ALGO PEOR QUE LA DENUNCIA.

Denuncio a los representantes y productores en general,
y los merodeadores de éstos sin excepción,
por indefinición ideológica y especulación comercial.

Ya que estos no se diferencian de los patrones de empresa
que resultan explotadores de sus obreros. O sea, por
ser los engranajes de un pensamiento de liberación
a quienes no les interesa que toda la pieza se mueva, dado
que al producirse el más mínimo movimiento, serían los
primeros en auto reprimirse y dejarían por tanto
de participar en la cosa.

Denuncio a ciertas agrupaciones musicales que se alimentan
con esas mentalidades no libres, a pesar de contar con
el apoyo del público de mente libre.

Denuncio a otros grupos musicales por repetitivos y
parasitarios, por atentar contra la música amplia y
desprejuiciada, estableciendo mitos con imágenes calcadas
de otras músicas que son tan importantes como las
que ellos no se atreven a crear ni sentir.

Denuncio a los tildadores de lo extranjerizante, porque
reprimen la información necesaria de músicas y actitudes
creativas que se dan en otras partes del planeta, y
porque consideran que los músicos argentinos no pueden
identificarse con sentimientos hoy día universales.
Además es de prever que si estos señores desconocen
que la Argentina provee a su música nuevos contenidos
nativos, ellos mismos están minimizando la riqueza
de una creación local apenas florecida.

Denuncio a otras mentalidades por elitistas
y pronosticadoras del suceso de la muerte de algo que por
instintivo no puede morir antes de la vida misma.
Denuncio a las editoriales “fachas” por distribuir
información falsa en sí misma, y por deformar
la información verdadera para hacerla coincidir con las
otras mentalidades a las que denuncio.

Denuncio a los participantes de toda forma de represión
por represores y a la represión en sí por
atañer a la destrucción de la especie.
Denuncio finalmente a mi yo enfermo por impedir que mi
centro de energía esencial domine este lenguaje al
punto que provoque una total transformación
en mí y en quien se acerque a esto.

El rock, música dura, cambia y se modifica,
en un instinto de transformación.


Pink Floyd – The Dark Side of the Moon

 

Qué les puedo decir que ya no se haya dicho sobre éste, uno de los más grandes álbumes jamás hechos. Fue un disco hecho con el corazón, por una banda que ya había alcanzado la experiencia y la madurez compositiva adecuada para crear una obra maestra. ¿Por qué hecho con el corazón? Pues el álbum está dedicado a la humanidad y la  locura, sobre todo la locura de su gran amigo y antiguo líder: Syd Barrett.

 

Mi fotografía preferida de Pink Floyd, muestra a toda la banda, incluyendo al gran Syd Barrett (1968)

 

La influencia de Syd Barrett, aunque por aquellos años imperceptible por completo en el sonido de la banda, seguía presente en las mentes de cada uno de los miembros. Para este disco finalmente decidieron soltar todas las emociones hacia Syd, y hacia los problemas que los rodeaban por esos momentos, no sólo de ellos, sino la sociedad y el mundo. El álbum marca un hito en la vida de la banda, ya que es su primer álbum conceptual, y el primero en que Roger Waters toma las riendas de la banda por completo al convertirse en el compositor principal.

 

 

Roger Waters diría del álbum: “Dark Side Of The Moon fue una expresion de empatia politica, filosofica y humanitaria desesperada por ser expresada”. Este disco fue como una terapia, como cuando escribes una canción para olvidar un amor y poder seguir adelante. Esta fue la terapia que la banda necesitaba para decirle adiós a Syd,y avanzar. Además de ser el punto cúspide de la experimentación concreta. Atrás quedaban los temas largos y puramente instrumentales, en éste vieron la ocasión perfecta para poner a prueba todo lo aprendido.

 

 

…Pero esperen, esperen. No puedo seguir. No hay review que le haga justicia a un testimonio auténtico de la banda en sí. Así que mejor los dejo con el documental: The Making of Dark Side of the Moon. Cada reseña que lean sale de este documental, así que maravíllense con las confesiones de Waters y compania sobre la realización de este disco. ¡Y subtitulado en español!

 

 

Pero seguiré con algo más. Algo que la gente se pregunta mucho es sobre la portada, y el significado de la misma. Pues el  diseño mostrando la dispersión de la luz blanca al atravesar un prisma sobre un fondo negro, representa tres elementos; la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más “sencilla y pulcra”

 

 

Además se preguntan de donde viene el nombre del disco. Al principio el nombre completo del álbum era: Dark Side of the Moon: A Piece for Assorted Lunatics; como vemos claramente el título es una oda a la locura más que una referencia a algún tema astronómico. El nombre del disco al principio iba a ser cambiado por Eclipse, ya que “Dark Side of the Moon” había sido utilizado por una banda de blues llamada Medicine Heart. Pero cuando vieron que aquél álbum resultó un rotundo fracaso se lo terminaron quedando.

 

 

Fue un disco exitoso desde su salida, retumbo en los cerebros de cada persona y se convirtió en obra de culto. Tanto fue el éxito que estuvieron 750 semanas seguidas de  1973 a 1988 en las listas de popularidad… ¡14 años! Por poco 15.

Como he dicho con muchos otros discos: todas las canciones del álbum son perfectas, ¡todas! Cada una trata y contiene partes de la complejidad del ser humano, y diversos aspectos de la vida, en general, y como os he dicho de los miembros de la banda. Compuestos e interpretados magistralmente, sumándole la perfecta producción de Alan Parsons.

 

 

Me gustaría hablarles de cada una de las canciones, pero no me considero lo suficientemente digno, ni mi pereza me da la libertad necesaria para hacerlo. Pero si os hablaré de mi tema favorito de este disco. ¡No, no es Money (para su sorpresa el tema que menos me gusta del disco)!, ¡No, no es The Great Gig In The Sky (aunque cerca)!, ¡No, no es Brain Damage (aunque sea el tributo a Syd Barrett)! Es…es…es:

 

Us and Them

 

 

¡Oh sí! La pieza maestra. Escrita por Rick Wright en 1969, originalmente para el film Zabriskie Point  de Michelangelo Antonioni, éste la rechazo diciendo que era una canción hermosa, pero que era muy triste. Le recordaba a la iglesia. La canción se archivó hasta este disco, Roger Waters le puso letra, y  es cantada sublimemente por David Gilmour, acompañado de las armonías angelicales del mismo Wright. Ah la fusión de las voces de Gilmour y Wright es una de las cosas más hermosas en la historia de la música, mis amigos. Espero tener la oportunidad de hablarles también de mi disco favorito de Pink Floyd; el Meddle, y contarles de Echoes. 

Pero bueno, volviendo a la canción, es una oda a la soledad, y la dificultad que algunas veces tenemos para relacionarnos con algunas personas, causando algunas veces el aislamiento de nuestro ser. Musicalmente es un tema muy jazzero, con el piano insuperable y celestial de Wright, y dos solos  de saxofón que estremecen.

 

The Dark Side of The Rainbow

The Dark Side of The Rainbow

 

Y algo más. Se cuenta que el Dark Side of the Moon está sincronizado con la película El Mago de Oz. En varios sitios lo pueden encontrar como  Dark Side of Oz, o Dark Side of The Rainbows. Aquí les dejo una parte. Vean, escuchen, y comprueben:

 

 

 

And now: ¡Vamos al Dark Side of the Moon! 

 

Download Album Here: http://bit.ly/GYpYsL

Size: 98 MB

 


John Lennon – Mind Games

 

Mind Games es mi disco favorito del gran John Lennon, y muy probablemente su trabajo más infravalorado. Cuando fue lanzado en 1973 fue vapuleado totalmente por la crítica, y su categoría de artista mítico o de beatle John decayó por completo. Inclusive la crítica que hizo la revista Rolling Stone decía lo siguiente: Mind Games revela a otro artista que fue grande en los sesenta pero que está totalmente perdido en el nuevo ambiente social y musical  de los setenta. Una pena que la crítica “especializada” haya sido tan dura con este disco. Pero el tiempo ha hecho justicia y ahora lo vemos como lo que es; uno de los mejores discos de rock y uno de los mejores en la carrera solista de John Lennon.

 

 

Este disco se caracteriza por dos cosas en la vida de John, tanto de su vida personal como política. Primero, el inicio de su “Lost Weekend”, que significó el apartarse de Yoko Ono por 18 meses y empezar una relación con su asistente May Pang (lo tenían loco las asiáticas a John). Además este disco marcó el regreso a sus inicios, es decir, con letras de instrospección que nos mostró en su primer disco solista “John Lennon/Plastic Ono Band” y ya no letras de tinte político que también tantas críticas y problemas le dió. A excepción claro de “Bring on the Lucie (Freda Peeple)”, “Only People”, “Nutopian International Anthem”, que son las únicas canciones del disco con un poco de crítica política. John le bajo el tono a sus canciones políticos debido en gran medida a la reelección de Richard Nixon, mató todo, mató las últimas reminiscencias de espíritu hippie y sesentero que quedaba.

 

John Lennon & May Pang

John Lennon & May Pang

 

Siempre he pensado que una de las razones principales por lo cuál este disco es tan bueno, es precisamente esa ausencia de Yoko Ono en la vida de John. Sin esa presión y a veces prisión que muchas veces significó su amada Yoko. También al fin John prescindió de los servicios de su eterno productor Phil Spector, y produjo el disco él mismo.

El disco tiene varios puntos altos, son canciones estupendas, de esas joyas ocultas que sólo los que escuchan discografías enteras llegan a conocer. Aquellas canciones que nunca entran en los discos de “Grandes Exitos” pero eso las hace aún más especiales. Tengo que mencionarles mi favorita primeramente; la hermosa balada “Out The Blue”

 

 

Como siempre digo: El día que dedique esta canción será el día que diré que estoy enamorado! Una de las más hermosas canciones de amor que se han escrito, acompañado por una melodía fuera de este mundo y unos arreglos que no escuchábamos desde los tiempos del Abbey Road. John no le tenía mucha estima a esta magnífica pieza, alguna vez mencionó sobre la canción esto: “Bien, otra canción de amor. Nada especial.” Pues el tiempo ha demostrado oh John que esta canción terminó siendo muy especial. Hermosa por completo.

Todo el segundo lado del disco tiene canciones increibles, de lo mejor de John como “Intuition”, la mencionada “Out the Blue”, la parecida a Revolurtion e inspirada en Chuck Berry; “Only People”, la canción que nos recuerda un poco a “I’ve got a feeling” de Paul McCartney; “I Know (I Know)”, la muy hermosa y muy poco conocida; “You Are Here”, de la cuál John diría: “Era un intento de una canción latina dentro de una balada tradicional”. Y cerrando con la poderosa “Meat City”, de las canciones más rockers de John. Todas estas piezas nos recuerdan mucho a esa seguidilla de canciones en el Abbey Road.

 

 

 

 

Así que los dejo con este disco único. Se convertirá en su favorito también. Os aseguro!

 

Download Album Here: http://bit.ly/pV6Dqs

Size: 43 MB


Buckingham Nicks – Buckingham Nicks

Antes de entrar en la ola de éxito y rumores de Fleetwood Mac, Stevie Nicks & Lindsey Buckingham tenían un proyecto llamado Buckingham Nicks, proyecto que empezó luego de que ellos dos abandonarán la banda donde habían estado largo tiempo llamada Fritz. Este proyecto estaba encaminado a ser uno de muy largo plazo, los dos sabían de su talento de sobra y pusieron alma y corazón en la realización de este disco. Las canciones cada una tiene una personalidad propia y son dueñas de una genialidad absoluta, este disco me gusta muchísimo más que todo lo que los vimos hacer en Fleetwood Mac.

La verdad me hubiera gustado que hubieran seguido como Buckingham Nicks en lugar de unirse al clan Fleetwood. Pero bueno el éxito no acompañó a este disco debut y para suerte de los dos, Mick Fleetwood los había estado observando y le ofreció a Lindsey Buckingham unirse a su banda. Lindsey aceptó con la condición de que entre también su pareja Stevie Nicks. El resto ya es historia conocida.

Este es de esos discos donde no hay canción mala ni medianamente mala ni mas o menos. Es una perfección en composición como en interpretación, como les mencione antes, se nota que está hecho con todas las ganas, todo el corazón de ellos está en cada una de las canciones. No por nada este disco es ahora un disco de culto.

El álbum comparte composiciones de Lindsey y Stevie, con hermosas composiciones en su mayoría acústicas con toques de folk y pop. Pegajosas melodías, deslumbrantes riffs y arpegios de parte de Lindsey que se luce como guitarrista. También Stevie nos muestra la potencia de su voz y su calidad de compositora, dándonos guiños de la leyenda en la cuál se convertiría luego.

Buckingham Nicks

Buckingham Nicks - Perfection!

No acostumbro a poner el track list pero esta vez lo haré para que vean quién compuso que, en este disco. Mis favoritas son las composiciones de Lindsey. En Fleetwood Mac no podemos disfrutar de todo el potencial de Lindsey, pero en sus discos solistas nos muestra nuevamente su faceta primigenia de Buckingham Nicks.

TRACK LIST.

  1. “Crying in the Night” (Nicks) – 2:48
  2. “Stephanie” (Buckingham) – 2:12
  3. “Without a Leg to Stand On” (Buckingham) – 2:09
  4. “Crystal” (Nicks) – 3:41
  5. “Long Distance Winner” (Nicks) – 4:50
  6. “Don’t Let Me Down Again” (Buckingham) – 3:52
  7. “Django” (Lewis) – 1:02
  8. “Races Are Run” (Nicks) – 4:14
  9. “Lola (My Love)” (Buckingham) – 3:44
  10. “Frozen Love” (Nicks, Buckingham) – 7:16

Long Distance Winner

Y mi favorita absoluta, una canción tan perfecta que es una pena que no sea tan conocida;

Don’t Let Me Down Again

De lo mejor que puedan escuchar, ese continuo riff de Lindsay y la fusión de voces junto a Stevie hacen de esta canción una de esas joyas ocultas que cuando las escuchas una vez, la repites la repites y la repites.

Buckingham Nicks

Buckingham Nicks - Los looks ideales.

Download Album Here: http://bit.ly/o4DIul

Size: 70 MB


Nicky Hopkins – The Tin Man Was A Dreamer

Nicky Hopkins - The Tin Man Was A Dreamer

Hay joyas ocultas en el mundo de la música de las cuáles se llega a saber muy poco y hasta veces que se ignora por completo lo importante que fueron y relevantes en la escena musical. Quizá Nicholas Christian “Nicky” Hopkins sea el más importante de todos por su presencia, su calidad y virtuosismo que lo han convertido en una leyenda entre los amantes de la buena música.

Nicky Hopkins

El pisciano Nicky nacido el 24 de Febrero de 1944 en Perivale, Inglaterra; empezó en el mundo de la música desde muy pequeño, asi mismo todo el mundo veía en él un talento incomparable. En sus inicios tocó con Screaming Lord Sutch, conoció a The Beatles y The Rolling Stones antes que salten por completo a la fama y muchas otras bandas de diversos géneros en los que Nicky siempre resaltaba.

Inclusive pudo haber sido miembro oficial de The Rolling Stones y Led Zeppelin, pero los rechazaba porque no podía irse de gira, y porqué se preguntarán, pues nuestro pobre Nicky tenía una enfermedad llamada la enfermedad de Crohn en la cual el sistema inmunitario del individuo ataca su propio intestino produciendo inflamación (Wikipedia). Así que nuestro Nicky no podía salir de gira por los constantes achaques intestinales que le provocaba esta enfermedad y tuvo que rechazar ser miebro estable de varias bandas y convertirse en un músico de estudio. Quizá el músico de estudio más famoso de la historia, bueno una vez más, famoso entre los amantes de la buena música.

El ser “simplemente” un músico de estudio quizá privó a Nicky convertirse en la leyenda global que debería haber sido. De seguro si formaba parte como miembro oficial de The Rolling Stones, The Kinks o Led Zeppelin pues imagínense, sería el miembro más alabado tanto por su atractivo, su talento y también por su personalidad.

En 1965 empieza su participación con The Kinks, los cuáles lo admiraban mucho y hasta le dedicaron un tema “Session Man” parte del álbum “Face to Face” donde Nicky participa enteramente. En 1966 lanza su primer álbum  “The Revolutionary Piano of Nicky Hopkins”. Luego ese mismo año es invitado por Jimmy Page para hacer el soundtrack de “Mord und Totschlag” (“A Degree Of Murder” ). Participando en esta producción con Brian Jones de The Rolling Stones. Brian queda impresionado con la habilidad de Nicky y lo invita a tocar en los Stones.  Así empieza la cadena que llevaría a Nicky a tocar con casi todas las grandes de los 60 y hacer historia.

Con The Rolling Stones participa desde el álbum Between the Buttons de 1967 hasta el Black and Blue de 1976. Con los Stones compartía créditos en los teclados con el tecladista oficial Ian Stewart que era el de las canciones rockers y Billy Preston que participaba más en las canciones funk. Nicky era en especial llamado para las canciones largas y baladas inmortales que necesitaban una parte virtuosa que sólo el buen Nicky les podía proveer. Fue una colaboración larga como se pueden dar cuenta y hay canciones que sin la participación de Nicky no serían lo que son (Angie, Sympathy For The Devil). Especialmente “She’s a Rainbow” del Their Satanic Majesties Request, donde Nicky se luce de sobremanera a lo largo del álbum. La línea de piano de esta canción es de mis favoritas. Sólo escuchen y lloren people. Arte Pura.

En las sesiones de grabación del Satanic Majesties también asistieron John Lennon y Paul McCartney para grabar voces en la canción “Sing This All Together”, también se sorprendieron con su maestría y lo invitaron a tocar el piano eléctrico en el single “Revolution”.

En los discos solistas de cada miembro de The Beatles también participaria con John Lennon en “Jealous Guy”, “How Do You Sleep?”, “Oh My Love”, “Oh Yoko!”, “Happy Xmas (War Is Over)”,  y todo el Walls and Bridges. Asistiría a Paul McCartney en “That Day is Done” del Flowers in the Dirt de 1989. Con George Harrison participa en “Give Me Love (Give Me Peace On Earth)” y en todo el Living in the Material World. Con Ringo participa en “Photograph”, “You’re Sixteen”, “Step Lightly”, “You and Me (Babe)”, “No No Song”.

Luego de esto en 1968 Nicky recibe dos invitaciones, una de Jimmy Page para formar parte del nuevo grupo que llegaría a conocerce como Led Zeppelin, y otra de parte de Jeff Beck para formar parte de su Jeff Beck Group, Nicky escoge a Jeff Beck. Quizá porque ya adivinaba que la banda de Jimmy Page sería un mounstrou de las giras mundiales y él no podría seguir ese ritmo.

Luego participaría con Jefferson Airplane, Cat Stevens, Peter Frampton, Marc Bolan, entre otros. Además de tocar enteramente en el álbum de los Quicksilver Messenger Service, el Shady Grove, que al igual que el Their Satanic Majesties Request ya ha sido posteado en este blog.

Lamentablemente nuestro Nicky luego de una larga trayectoria musical como ven, murió el 6 de Septiembre de 1994, a sus 50 años. Como consecuencia de los estragos provocados por una operación intestinal a la que se sometió para curar su enfermedad. Y les tengo que contar con pena que Nicky no recibia ningún comisión por su trabajo, solo los miembros de Quicksilver Messenger Service le daban su parte financiera. Pero aún asi Nicky pasó sus últimos años feliz y componiendo para grandes orquestas, alcanzando un gran éxito en Japón especialmente.

Keith Richards & Nicky Hopkins

Keith Richards & Nicky Hopkins

Pero bueno ahora empecemos a hablar del disco. The Tin Man Was A Dreamer es el segundo disco de Nicky, lanzado en 1973. Cuenta con la colaboración de una constelación de estrellas, entre ellas Mick Taylor, guitarrista de los Rolling Stones, el conocido Klaus Voormann en el bajo y hasta el mismísimo George Harrison, bajo el seudónimo de George O’Hara.

Portada Posterior de  Nicky Hopkins - The Tin Man Was a Dreamer. Parece ser una cuestión muy Piscis el gusto por los gatos, yo como Piscis también les puedo decir que soy un amante total de los felinos.

Portada Posterior de Nicky Hopkins - The Tin Man Was a Dreamer. Parece ser una cuestión muy Piscis el gusto por los gatos, yo como Piscis también les puedo decir que soy un amante total de los felinos.

El disco como se imaginarán esta lleno de composiciones de Nicky, donde se explaya con grandes muestras de como un piano debería sonar. También es él el que hace de voz principal, así que si siempre han deseado a escuchar a Nicky esta es su oportunidad. En verdad este disco es todo un clásico, además de ser muy difícil de conseguir. So enjoy el arte del buen Nicky Hopkins!

 

 

Y mi favorita:

Download Album Here: http://bit.ly/n1oXHr

Size: 226 MB (si si está heavy, lo que pasa es que está en flac)


Pescado Rabioso – Artaud




Artaud es sin lugar a dudas uno de los mejores trabajos que nos ha regalado El Flaco Spinetta y también sin lugar a dudas el mejor disco en la historia del rock en español. Aunque acreditado a la banda Pescado Rabioso, es un trabajo solista de Luis Alberto Spinetta. Muchos consideran que la razón por la cuál El Flaco sacó este disco bajo el nombre de Pescado Rabioso fue simplemente para mostrarle a todo el mundo que Pescado Rabioso era simplemente otra fase de Spinetta. Pescado era él y nadie más.

Este disco es diferente a sus anteriores trabajos con Pescado Rabioso. La poesía está más presente que nunca de una forma hermosa. Cada letra de Spinetta rodea la perfección lírica, todo el ambiente surreal presente, pasando de poemas por simples haikus y aun así logrando ponerte la carne de gallina con cada palabra.

Musicalmente nos recuerda a sus tiempos en Almendra, y esto claro se debe a que en las sesiones de grabación estuvieron presentes dos de sus ex compañeros almendrinos; Rodolfo García en batería y Emilio del Guercio en bajo. A más de ellos los acompaña el hermano de Luis; Carlos Gustavo Spinetta.

Para los amantes del Spinetta acústico, rockero y guitarrero es un placer escuchar a este disco en su totalidad y repetirlo cuantas veces se nos antoje. El disco es un como un pasillo por el cuál nos encontramos con diferentes ambientes pero todos siguen su curso sin perder esa conjunción, haciendo un disco diferente en cada corte pero dotados de la misma igualdad entre ellos, un claro ejemplo de hermandad musical que en muy pocos discos se puede encontrar.

luis alberto spinetta

El disco arranca con “Todas Las Hojas Son Del Viento” una canción dedicada a una ex novia de Spinetta; Cristina Bustamante, la misma que inspiró la hermosa composición “Muchacha Ojos de Papel”. En esta ocación Spinetta haciendo uso de su más fina lírica, aconseja a Cristina a seguir con su embarazo que por ese tiempo tenía y temía seguir adelante. Asi mismo para toda la generación rockera que ya dejaban de ser simples pibes y ahora ya crecidos empezaban a conformar familias. Principalmente acústico y al último cerrando con un outro eléctrico. Perfección.

Continua con “Cementerio Club” un blues exquisito y quizá la canción que más nos recuerda al sonido “rabioso” de la banda en sus inicios. Seguimos con “Por” un juego de palabras de El Flaco, como queriéndonos decir que cualquier palabra que sale de su boca es poesía y con su voz tan melódica se transforma en la más pura expresión de arte que alguien pueda entregar.

Sigue con “Superchería”, aquí Spinetta le pone más énfasis a lo musical, dándonos una canción de lo más rockera, la guitarra de Spinetta es la protagonista absoluta. Luego en total contraste con “Superchería” viene “La Sed Verdadera” composición acústica llena de paz, y un perfecto abreboca para la demasiado increíble “Cantata De Puentes Amarillos”,

9 minutos y 10 segundos de la mejor rapsodia que ha dado el rock en este continente. Aquí Spinetta se consagra como el mesías absoluto del rock americano. Tanto musical como líricamente es una de las mejores canciones que se han escrito.

A continuación mi favorita del disco, cuando crees que el álbum ha alcanzado su clímax total con Cantata, El Flaco dice No! Y suena “Bajan”

Para mí la perla del disco, la poesía se luce, la guitarra fuera de este mundo, una de las mejores líneas de bajo que he escuchado, una batería demasiado bien ejecutada, más la voz de Spinetta haciendo una de sus mejores interpretaciones, hacen que catalogue a este tema como el mejor tema rock de música en español.

Sigue con “A Starosta, El Idiota” un diálogo intero, tema tan avanzando a su tiempo, nos recuerda a lo industrial de los 90, y perfectamente adaptado a la época. A la mitad de la canción en un collage auditivo suena “She Loves You” de The Beatles, de los cuáles Spinetta siempre ha sido fan. Parece enfrentar las filosofías Artudianas y Lennonistas haciendo esto. El flaco en 1980 dijo: “Para Artaud, la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento”

Por último cierra con “Las Habladurías Del Mundo”, la que nos presagia un poco del sonido que Spinetta adoptaría a partir de este disco. Más calmado y toques Jazz. Pero esta canción lleva toda la onda de la estructura del disco, como un pequeño resumen del sonido que fue recorrido en estos 36 minutos y 56 segundos que dura el disco.

No podemos hablar de este disco sin hablar además de su portada. En un claro homenaje a la vida y obra de Antonin Artaud y la obra del disco; Spinetta diseño el empaque del disco de una forma deforme, inclasificable, inadaptada. Tal como la obra de Artaud y el mensaje que El Flaco quería dar. Con la portada estaba demostrando todo.

Además en el booklet se podía leer:

“…¿Acaso no son el verde y el amarillo,
cada uno de los colores opuestos de la muerte,
‘el verde para la resurreción,
y el amarillo para la descomposición y la decadencia?”
Estos párrafos forman parte de fragmento de Cartas de Antonín Artaud presumiblemete escritas en 1937. Así que de ahí nacen los colores de la portada y además el uso de aquellos guantes verdes con los que Spinetta tocó cuando presentaba este disco en su Argentina.
Con la publicación de este disco, y su portada Spinetta denunciaba la basura en la que se estaba convirtiendo el mundo de la música. Y no había vuelta atrás. El mundo nunca más conocería esta etapa en la música de nuestro continente. Con músicos de esta altura y relevancia cultural. Es una pena que con el tiempo este mensaje haya pasado desapercibido debido a que con la tecnología el arte de las portadas de los discos que en otros tiempos era un arma de comunicación, ahora ya no son más que simples fotografías que podemos ver en nuestros dispositivos eléctronicos y sólo sirven para reconocer que disco se está escuchando. Una pena.
Así que a bajar el disco people! No os arrepentirán, es sin duda la joya más hermosa que hay en la música del continente americano.
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