Badfinger – Straight Up

 

Es una pena que cuando estaba en mi trauma por esta banda aún no tenía blog. Les hubiera hecho post más “pasional”, el post que se merecen diría algún taringuero de los tiempos dorados. Quizá lo habrían odiado, pero de cualquier forma al fin estamos aquí para rendir tributo a la banda llamada de ‘la mala suerte’.

 

 

Badfinger es una de las bandas de Apple (compania de The Beatles), Paul McCartney y George Harrison produjeron un par de discos de la banda, y hasta contribuyeron en las composiciones. Al principio se hacían llamar The Iveys, adoptaron el nombre de Badfinger gracias a una composición beatle, ‘Bad finger Boogie’ luego llamada ‘ With a Little Help from My Friends’.

Tras la separación de The Beatles, la crítica apostaba todo por Badfinger, la banda que iba a tomar la posta de los 4 de Liverpool. Pero a pesar de sacar estupendos discos nunca tuvieron la aceptación ni la fama que se merecían. Irónicamente algunas de sus canciones como ‘Without You’ fueron un hit rotundo en voces de otros artistas.

 

 

La falta de éxito, y los problemas económicos e internos,  llevó a los dos compositores principales (Pete Ham, Tom Evans) al suicidio. Un final trágico para una banda que se merecía más. Joey Molland guitarrista, cantante, compositor de la banda, sigue presentándose hasta estos días bajo el nombre de Badfinger.

Pero bueno, la discografía de Badfinger es una de las mejores que se pueden escuchar. Tan buena es que me costó mucho trabajo escoger el disco para compartirles esta ocasión. Luego de mucho meditar finalmente me decidí por el Straight Up; la obra maestra del power pop.

 

George Harrison & Pete Ham

George Harrison & Pete Ham

 

Cualquiera de las canciones de este disco habría encajado perfectamente en algún disco Beatle, la calidad en cuánto a lírica, armonías, y melodías es perfecta. George Harrison luego de escuchar algunas de las canciones, pidió a la banda que por favor lo dejarán tocar (Day After Day), y luego terminó hasta produciendo el disco.

Mis dos canciones favoritas de Badfinger forman parte de este disco, dos canciones sublimes en todo sentido. Sólo escuchen ese trabajo en las guitarras. ¡Aquí nace el original Brit-Pop, señores!

 

 

 

Y como bonus track les dejo esta canción ya que poseo una foto muy rara de quien la escribió (Pete Ham) acompañado de quien la inspiró (Dixie Armstrong). Los dos eran pareja por aquella época.

 

Pete Ham & Dixie Armstrong

 

 

 

 

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Paul & Linda McCartney – Ram

 

Luego de la separación de The Beatles, y luego de su primer esfuerzo como solista McCartney, Paul vuelve con este su segundo trabajo en compania de su esposa Linda. Un disco verdaderamente espectacular que lamentablemente al tiempo de su salida (1971) fue muy mal recibido por las críticas. Pero como todo lo bueno, con el tiempo ha sido calificado como uno de los mejores discos de la historia.

 

La historia del disco comienza precisamente luego del lanzamiento de su primer trabajo solista. Paul y Linda se tomaron unas vacaciones en su granja de Mull of Kintyre en Escocia. Estar en ese ambiente inspiró a Paul para escribir una serie de canciones que para mí son de las mejores que tiene en su repertorio. Con este disco logra su primer número 1 con Uncle Albert/Admiral Halsey.

 

 

Una especie de Rapsodía a lo McCartney, inspirada en su tío Albert y un almirante estadounidense llamado William “Bull” Halsey. Magníficamente instrumentada y con la voz de Linda en los coros hicieron de esta canción todo un éxito.

El disco cuenta con la producción del mismo Paul y cuenta con la colaboración de un futuro miembro de Wings, Denny Seiwell en la batería, David Spinozza y Hugh McCracken  en guitarras, y Marvin Stamm en el fliscorno. En especial los solos de Hugh McCracken son espectaculares, mi solo favorito lo hace en esta canción; “Too Many People”.

 

 

Esta canción fue de las que causó controversia con John Lennon. Ya que en la canción hay una línea que dice: ‘Too many people preaching practices’, en un principio Paul negó que esta línea iba dirigida a John, pero en 1984 en una entrevista dijo que efectivamente la canción era contra Lennon, ya que le había cansado el papel de “predicador” de nuevas ideologías que tenía John a principios de los 70.

Según John todo este disco era una afrenta para él y para Yoko. Comenzando desde la portada, que muestran a 2 escarabajos copulando. Esto lo hizo Paul en broma para las personas que creían que había amoríos entre los miembros de The Beatles. Pero John lo tomó como un insulto. Así como la canción 3 Legs y Dear Boy. Lennon a todos estos “ataques” los respondió de manera muy directa en la canción “How do you sleep?” de su álbum Imagine.

Otra canción de las cuáles John pensaba que era presa de los ataques de Paul era “The Back Seat of My Car“; una de mis favoritas del disco.

 

 

Una canción que data desde los tiempos del Let It Be pero que no fue grabada para dicho álbum. Otra de las obras maestras de McCartney, empezando la canción de forma lenta y terminándola en un rock de lo más poderoso. Si hubiera sido incluída en el Let It Be, de seguro sería una de las canciones beatles más recordadas.

Y ya que estamos en mis favoritas, vamos con mi favorita absoluta que es la hermosa pieza folk y pacífica; “Heart of the Country”.

 

 

Hermosa hermosa hermosa! Ese es el calificativo ideal para esta canción. La “And I Love Her” de este álbum, tan simple y armoniosa que enamora. La letra te invita a imaginar la vida en el campo y toda esa calma que provoca ver las nubes pasar al medio día sin preocuparse por nada. El característico sonido de la guitarra se logró porque Paul afinó un tono abajo a todas las cuerdas de la guitarra.

Pero tengo que mencionarles esta canción también, otra de mis favoritas, “Monkberry Moon Delight”.

 

 

En esta canción además de escuchar la voz de Linda en el acompañamiento; podemos escuchar a la pequeña Heather, hija de Linda, fruto de su primer matrimonio. Es una de las canciones donde Paul se luce completamente con sus modulaciones y variaciones de voz. Para los fanáticos de la canción del Abbey Road, “Oh! Darling” aquí tienen otra muestra de la gran voz de Macca, que nos hace pensar que en verdad de los 4 fab, era él el que tenía la mejor voz.

Cómo ven todo el álbum es una maravilla, con lo mejor de lo mejor del buen Macca, postearía todas las canciones pero luego los dejo sin el factor sorpresa, hay canciones excelentes que se convertirán en sus favoritas, eso denlo por hecho! Pero para terminar los dejo con este bonus track que fue el primer single de Paul como solista y está incluído como bonus track precisamente en las reediciones del Ram; Another Day.

 

 

Otra canción que data de los tiempos del Let It Be. Con un sonido y estilo similar a Eleanor Rigby y She’s Leaving Home. Para esta canción Paul incrementa la participación de Linda en una búsqueda de un sonido característico para ellos dos; el sonido McCartney.

 

 

Y algo más para terminar. En 1977 Paul supervisaría la grabación de todo el disco pero de manera orquestada y sólo instrumental, trabajado maravillosamente. Para esta ocasión Paul usaría el seudónimo de Percy “Thrills” Thrillington.

And that’s it, a disfrutar el disco people!

 

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Ten Years After – A Space in Time

Ten Years After A Space in Time

 

Para muchos (entre los que me incluyo) el mejor trabajo de la banda liderada por el gran guitarrista Alvin Lee. De seguro su disco más exitoso. El disco aunque siguiendo la linea del Blues Rock, denota un cambio con respecto a sus anteriores trabajos, ya que para dicha mia, las guitarras acústicas están mucho más presentes. Podemos escuchar toda la habilidad de Alvin “al desnudo” y  en una forma absoluta.

 

Ten Years After

 

Un disco donde muchas canciones parecen tan Led Zeppelin o Jimi Hendrix, además de experimentar con la psicodelia. Los últimos vestigios del sonido de los 60 están en este disco. Alvin Lee nos regala riffs y solos verdaderamente extraordinarios. Es una pena tremenda que no esté en el podio de grandes guitarristas junto al mencionado Hendrix o Clapton. Pero no sólo Alvin es la estrella. Toda la banda era un componente de virtuosos, como Leo Lyons (bajo), Ric Lee (batería) y el asombroso trabajo de Chick Churchill en los teclados.

 

Baby Won’t You Let Me Rock ‘N’ Roll You

 

 

Esta canción aunque para muchos es la peor del disco y el eslabón más débil, a mi me gusta muchísimo. Tiene ese toque a lo Chuck Berry que la hace muy disfrutable.

 

Let The Sky Fall

 

 

Un tema de lo más increíble!!! Aquí escuchamos toda la influencia psicodélica de los muchachos y unos solos orgásmicos cortesía de Alvin Lee. El efecto aplicado en la voz nos recuerda mucho a Jimi Hendrix.

 

I’d Love to Change the World

 

 

El punto más alto de este disco es definitivamente “I’d Love to Change the World”. Una canción tan épica como majestuosa, tanto por su letra y contenido instrumental. El último himno post 60’s. Te enreda desde el primer segundo, para cuando llega el solo ya estás por las nubes. Magnificamente producida por la banda. Con una letra contra el sistema capitalista e inspirada en la guerra de Vietnam se convierte en el tema referencia de la banda. A pesar de haber sido un éxito. La banda rara vez la tocaba en vivo.

 

Dejo en sus manos uno de los mejores discos que podrán escuchar. Uno más de mis Perfección absoluta es lo que es.

 

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Mary Hopkin – Earth Song, Ocean Song

 

Seguimos con nuestra Mary. Tenía que subirles un disco y aquí les traigo el que es quizá el mejor de su carrera. Inclusive la misma Mary ha dicho que es su disco favorito, por la libertad que tuvo y además porque es un disco fuera del pop que tuvo su primer álbum. Aquí Mary nos muestra su amor primigenio; la música Folk.

 

 

El álbum cuenta con la producción del esposo de Mary por aquellas épocas, el gran Tony Visconti, que como os he mencionado con anterioridad, fue el productor de David Bowie, T. Rex, entre otros. Con esta colaboración extraordinaria el álbum se transforma en todo un clásico y un “must have” para coleccionistas.

 

 

Mary nos hace gala de su hermosa y perfecta voz, y nos hace preguntarnos el porque no llegó a niveles de fama como las demás féminas de la época, porque talento le sobraba. Pues fue simplemente el autoretiro que Mary hizo a partir de este disco. Prefirió dedicarse a la vida familiar y dejar de grabar. Claro razones muy válidas. Pero escuchando este disco y la perfomance de Mary de seguro les recordará a Joan Baez, Sandy Denny, Joni Mitchell y hasta Stevie Nicks. Y no me censuren por decir que piendo que Mary podría haber sido mucho más grande que ellas juntas. Tenía el talento, la belleza y la personalidad.

 

 

El álbum cuenta con la participación de excelentes músicos como Dave Cousins (The Strawbs) Danny Thompson (Pentangle) y Ralph McTell. De los mejores discos que podrán escuchar, muy al estilo Joni Mitchell. Pero Mary tiene ese algo que hace a este disco único. Por más que lo escuchas y lo escuchas, siempre descubres algo nuevo y la voz de Mary no deja de fascinarte cada vez más.

 

 

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T. Rex – Electric Warrior

 

Ya era hora de traer algo de Glam al blog, y que mejor que iniciar por aquella banda que puso al Glam en escena. Tenemos que decir que fue en gran medida por Marc Bolan, el frotman y compositor principal de la banda. Marc era un amante de la moda y los maquillajes ya que en sus días de adolescencia fue modelo por un corto lapso, entonces llevó sus gustos al rock y su estilo estrafalario y canciones con toques rock n’ roll cincuentero más el bubblegum pop, crearon el Glam. A este estilo luego se le unió el gran David Bowie, Gary Glitter, entre otros.

 

 

John Lennon mencionaría en 1971 que lo único que le interesa en el ámbito musical es lo que hace Marc Bolan con T.Rex. Con Electric Warrior superó todas las expectativas. Es el sexto álbum de la banda, aunque es considerada mas bien un dúo contando con Marc Bolan junto al percusionista Mickey Finn. Para este disco fue el primero en el cuál contaron con una banda fija, entre los que podemos mencionar a los ex componentes de The Turtles; Howard Kaylan y Mark Volman. Además tenemos que mencionar la perfecta producción de Tony Visconti. Visconti se convirtió en sinónimo del sonido “T.Rex” con el pasar de los años. Este fue el disco con el cuál Marc se consolida por completo como una super estrella a nivel mundial.

 

 

Marc Bolan para muchos es el artista con más sex appeal que ha existido, entre esos que piensan esto está el cantante de Radiohead Thom Yorke. Y claro este es  de los discos más sexys que se han hecho, con la voz de Marc en todo su esplendor erótico, y letras siempre magníficas que lo hacen uno de los mejores cantautores que hemos tenido en la música. El mismo Marc mencionaría que el erotismo de este disco y sobretodo de la canción hit “Get It On” fue la causante del aumento de la natalidad en Inglaterra en el año 1972.

 

“Get It On”

 

 

Una de las canciones más poderosas que se han hecho. Llena de sensualidad, es el himno de la generación glam. Pero no por esto estoy clasificando a T.Rex solamente en el género glam, que era más un estilo estético que musical. “Get It On” es un rock n’ roll que nació gracias a la canción de Chuck Berry “Little Queenie”. Marc estaba practicando esta canción de Chuck, y creó “Get It On” a partir de ella. Encontramos el estilo en otras grandes canciones del disco como: The Motivator, Jeepster, Rip Off.

Además de este gran hit que además está en mi top de canciones favoritas, y aunque la guitarra eléctrica de Marc es la que manda, aún podemos escuchar grandes canciones que nos recuerda los inicios folk de T. Rex, cuando se llamaban Tyrannosaurus Rex, con canciones como Mambo Sun, Girl, y Planet Queen.

 

 

Hay mucho más que decir pero tendrán que descubrir por ustedes mismos el porqué este disco es uno de los mejores de la historia, y el porqué del mito de Marc Bolan.

 

 

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Marvin Gaye – What’s Going On

Marvin Gaye es uno de los mayores exponentes del soul y R&B. Su talento es uno de lo más grandes que se vió en el siglo XX, una voz que logró cautivar a toda una generación y lo sigue haciendo hasta hoy. Fue uno de los estandartes de Motown que llevó a la música soul a un nivel totalmente desconocido. Especialmente con éste su onceavo disco “What’s Going On”. Gracias a este disco dejó de ser un simple sex symbol del R&B y se transforma en leyenda.



Este disco es una gran muestra de lo que significó los principios de los 70. Atrás quedaba el “paz y amor” de los 60 y ahora lo que se vivía era un caos. Guerra, Drogas, Injusticia, Pobreza, Rechazo; estos son los temas de los cuáles Marvin nos canta. Clara muestra de lo que para muchos significó la “muerte” del sueño americano. Marvin tenía todas las razones para creer en la muerte del sueño en esos momentos. Su mejor amigo Tammie Terrell también estrella de Motown había muerto recientemente (suceso también que lo llevaría a una adicción a las drogas que duraría hasta su muerte), Marvin quedó devastado. Cayó en una profunda depresión. No quería volver a grabar nunca más en su vida. Su retiro de la música según él era definitivo.

Pero por gracias divina Al Cleveland y el The Four Tops’ (Banda de Motown) Renaldo “Obie” Benson se pusieron en contacto con Marvin y le ofrecieron grabar una canción cuyo tema principal era hacer conciencia social llamada “What’s Going On”. Así nacía este disco, Marvin se inspiró además en las experiencias contadas por su hermano Frankie en Vietnam. Desde que recibía las cartas de Frankie desde Vietnam, Marvin decidió hacer canciones que dijeran algo en verdad, y llegaran al alma de las personas. Que dejaran atras las fantasías de amor y paz que se habían pintado y que vieran la realidad que se vivía por aquellos momentos. Por supuesto hizo un excelente trabajo y este disco se transformó en uno de los mejores de la década del 70,y esta considerado como uno de los discos más perfectos que se han hecho. Un disco que sí se puede llamar conceptual a sus anchas, pionero en hacer esto en el mundo del soul. No se extrañen si se encuentran con el nombre de este disco en cada lista de los mejores discos de la historia.

What’s Going On

Cuenta la historia que en la grabación de esta canción, el gran bajista y parte fundamental del sonido Motown, James Jamerson, estaba totalmente ebrio cuando se le pidió grabar su bass line. Al no poder estar sentado debido a su estado; se dice que tuvo que grabó el bajo totalmente acostado.

Mercy Mercy Me (The Ecology)

Una de las más hermosas canciones de Marvin, versionada por cantidad de artistas, entre ellos la magnífica versión de The Strokes, junto a Eddie Vedder de Pearl Jam & Josh Homme de Queens of the Stone Age.

Así que go ahead! A deleitar sus oídos con el buen Marvin!


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Joni Mitchell – Blue

 

Joni nos brinda en este su cuarto disco, uno de los mejores álbumes de la historia. La hermosa canadiense explora todos sus fantasmas que tenía en ese momento y los del pasado. Nos regala un disco totalmente personal. Una terapia, un lavado de emociones que en ese tiempo tanto necesitaba.

 

 

La inspiración para las canciones de este disco vienen de su ruptura con su novio de mucho tiempo, el igualmente extraordinario Graham Nash. Sus relaciones nuevas y algunas pasajeras las escuchamos en “Blue”. Su viaje a Europa también lo vemos reflejado en especial en canciones como “Carey”, donde revive sus experiencias en una comunidad hippie ubicada en la isla griega de Creta. También nos revive fantasmas del pasado con canciones como “The Last Time I Saw Richard” inspirada en su ex marido Chuck Mitchell y la emotiva “Little Green” donde nos habla de la hija que tuvo que dar en adopción en 1965, debido a la falta de dinero. Una situación traumante para Joni que nunca se había atrevido a terminar esta canción y peor aun grabarla. Pero para este disco tan personal y “purificador” vió que era necesario, y es una de las mejores canciones del álbum. Se reencontró con su hija en una conmovedora ocasión allá por el año 1997.

 

 

Y por supuesto tengo que dejarles mi favorita; California. Joni una diosa absoluta del folk y la música en general, una poeta, una pintora, artista excepcional. Musa completa.

 

 

 

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