La Commedia dell’Arte

Descubrir arquetipos se vuelve una adicción, identificar diferentes patrones de conducta en la población y asimilarlos con algún personaje es un ejercicio que ha menudo practicamos sin siquiera darnos cuenta. Desde niños cuando decimos que alguien parece bruja o llaman ñoño a un niño con sobrepeso, no es bullying como se llama en estos tiempos, simplemente la inteligencia empieza a actuar y asimila una cosa con otra, empezamos a identificar estereotipos, luego prototipos y finalmente arquetipos. Claro, luego dependerá de los padres enseñar la diferencia entre juego y crueldad.

La vida es una inmensa obra de teatro, cada ser en esta realidad tiene un guión preestablecido con el que se va topando al correr los años, aquello sería nuestro arquetipo, nuestra esencia, nuestro rol principal. Además de éste en nuestra vida vamos encasillándonos en un sinnúmero de estereotipos o personajes cliché de los que tomamos razón recién al adoptar otro personaje. Por ejemplo, cada moda trae consigo diferentes vestimentas y maneras de comportarse. Me precio de no haber pertenecido a las llamadas tribus urbanas en mi adolescencia, pero vi cómo mis compañeros se iban transformando cada año; primero metaleros, luego punkeros, luego hoperos, luego emos, luego ‘hipsters’, con cada encarnación adoptaban una personalidad diferente, me parecía fascinante observarlos. Por supuesto, supongo yo era el desadaptado, jamás logré encajar en ningún grupo. Al llegar la vida adulta la teatralidad en la vida se hace notar aún más, cada profesión es un papel, socialmente adoptamos una máscara diferente para cada ocasión.

Siempre he creído que la música y el teatro son las únicas formas de arte donde convergen lo racional y lo irracional, lo formal y lo salvaje, lo físico y lo espiritual. En esta búsqueda por el inconsciente colectivo y los arquetipos que el hombre ha creado llegamos nuevamente al teatro, aquel hermoso arte que guarda en sí el registro histórico de la humanidad. Desde sus orígenes en los antiguos rituales hasta el imaginario crudo futurista del teatro actual, la amalgama de personajes y sucesos que el teatro guarda en su adn es inconmensurable, indagar en ellos es toda una aventura. Precisamente hoy nos embarcaremos en una era del teatro que ha influido en prácticamente en todas las facetas culturales desde el siglo XVI: La Commedia dell’Arte.

La commedia dell’arte nace bajo la estela de muchas influencias que lograron converger a plena luz del Renacimiento, sin dejar de lado las doctrinas religiosas medievales, las ferias de pueblo, los carnavales y las obras del período clásico griego y latino. Sus orígenes se remontan a la Atelana Romana y las farsas de la Edad Media pero se dice que este género teatral nació como tal con la primera comedia en prosa de Angelo Beolco (Ruzzante), sus textos eran obras de cinco actos escritas en dialecto, dialectos de cada uno de los sitios de Italia.

La Commedia marcó un punto de quiebre en el mundo del teatro, fue gracias a éste que el teatro popular superó al teatro tradicional o culto. Las obras clásicas griegas y romanas que se representaban en las cortes de los nobles se vieron eclipsadas por las obras que representaban el diario vivir del reino y el pueblo, la Commedia se encargó de inmortalizar los diferentes personajes, vivencias, costumbres, historias y experiencias de cada era en la historia. Los personajes arquetípticos protagonistas de las obras iban adquiriendo o desechando diferentes características en cada siglo, cada década. Así también iban naciendo nuevos personajes y vestimentas que se iban acoplando a cada siglo.

Es gracias a la Commedia que la profesión actoral se profesionaliza. Por vez primera, desde los tiempos griegos y romanos, las compañías y gremios actorales se unían, presentaban su obra en un establecimiento fijo y cobraban entrada. El actuar se convirtió en oficio, el actor se ganaba ahora su puesto en la sociedad, es reconocido como parte fundamental de la sociedad y se le empieza a respetar.

A diferencia del teatro tradicional, los grupos de la commedia contaban con mujeres para interpretar los personajes femeninos. En general eran familias -nos dice Elizabeth Waisse en una crónica-y cada actor representaba siempre la misma máscara, desde niño hasta anciano, más allá que representara un personaje de viejo o joven, se crecía y se moría con la misma máscara.

La popularidad de la comedia del arte en Italia y en el extranjero, fue extraordinario. Enrique III convocó a una tropa en Francia, desde 1576. En el siglo XVII, los gobiernos de España y Francia trataron de censurar y regular esta forma teatral. En el siglo XVIII Carlo Goldoni proponía el eliminar gradualmente las máscaras dando a los personajes una individualidad aún más marcada. Impuso la eliminación de la improvisación escénica propia del género mediante el establecimiento de un texto dramático (textos escritos). Lamentablemente lo que se veía venir finalmente pasó, se marca el 18 de enero de 1801 como fecha de la muerte de la comedia del arte. Ese día, con un edicto, la República Cisalpina (estado satélite de la Primera República Francesa) prohíbe el teatro de las máscaras.

La commedia dell’arte permaneció sepultada, salvo en algunos pequeños teatros franceses y toscanos, durante todo el siglo XIX. Finalmente en el siglo XX se lo ha intentado revivir poco a poco, podemos ver el legado de la Commedia en las pequeñas compañías del teatro de la calle, los cómicos de parque o plaza, en la ópera como la famosa Pagliacci, en hermanos Marx, Chaplin, Buster Keaton y, por supuesto, su reencarnación más reciente y famosa en estos tiempos: “el clown”: técnica teatral que consiste en trasladar al payaso al universo del actor. Método que fusiona las máscaras de la Commedia en una sola, la máscara más pequeña del mundo como ellos la llaman; la nariz roja.

Para este servidor el revivir la Commedia dell’Arte sería una de las maneras más acertadas de evolucionar al Teatro que se ha visto estancado en las últimas décadas. ¿Qué viene luego de El Clown, cuál es el siguiente paso en la evolución de la Commedia? Acaso sería volver a las raíces mismas de la máscara, la persona de los rituales y misterios, devolverle aquel sentido alquímico. Que el teatro vuelva a su función catártica primaria, que vuelva a ser la voz del pueblo, que vuelva a iluminar a las masas, que vuelva a despertar todos los sentidos, que vuelva a inspirar.

Tantos temas apasionantes que se desprenden en esta categoría, pero vamos a lo que os interesa: la máscara y los personajes.

La Máscara

Para esta sección citaré el insuperable texto de Elizabeth Waisse ‘La commedia dell ‘arte’ (publicado de la página 175 a página179 en Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº X).

Todo cambia en el artista de la escena cuando se pone la máscara. El cuerpo, la voz, el lenguaje. Ya no puede comportarse como en la cotidianeidad. El actor recita el texto con la voz impostada, no se preocupa de aquello que dice el personaje, sino de aquello que el autor ha querido decir. La máscara debe ser construida de cuero, porque es un material perdurable y al mismo tiempo, absorbe la transpiración, por lo que es posible tenerla puesta mucho tiempo. Además el cuero es un material vivo. No todos los personajes de la comedia llevan máscara. Sobre la máscara se lleva el camauro, es una especie de capucha negra, que cubre absolutamente el pelo real del actor y el cuello. Al mismo tiempo ayuda a sostener la máscara. Siempre el cabello es falso, como la barba y los bigotes. La única parte desnuda del cuerpo son las manos. Está prohibido tocarse la máscara con las manos. La máscara debe ser monocromática. Colores que van del blanco al negro, pasando por todas las gamas del beige, el sepia y el marrón.

Existen variedades de máscaras: 1. La máscara completa de cuero 2. El infarinato (enharinado) 3 Tratamiento mixto: un cuarto de máscara: Il Dottore y a veces la Servetta 4. Máscara fraccionada: sólo nariz, frente, mentón. 5. Deformación plástica del rostro con caracterización. 6. Personajes sin máscara de cuero ni tratamientos particulares, sólo el maquillaje que realza los rasgos de la cara. La máscara social.

La máscara es un detonador de una explosión expresiva. Cuando aparece el personaje ya sugiere quién es (qué tipo humano), qué cosa podrá hacer y qué no, que cosa promete (qué programa dramático contiene), cómo es su vida (cuál es su comportamiento permanente). De esta forma se hace accesible a todo público, de cualquier cultura, aunque no conozca la lengua en la que hablan. Técnicamente, cuando el actor está tras una máscara, y realiza el acto de mirar, debe orientar la máscara considerándola sólo un gran ojo. El centro de este ojo, el actor lo debe situar en la punta de su propia nariz, no de la máscara. Tiene tres puntos de referencia para dirigir la máscara: el partenaire, el objeto y el público.

¿Cuáles son los personajes de la comedia del arte?

Las compañías de actores de Commedia dell’Arte estaban formadas generalmente por doce personas, que interpretaban los distintos personajes, con varios enamorados y mujeres sin máscara. Se supone que el núcleo originario fue el compuesto por el patrón veneciano (pantalone) y los zanni. Los zanni son sirvientes que provienen de los sanniones de la comedia latina y de los esclavos de la comedia ática. Su carácter bufonesco se desdobla en numerosos personajes que suelen aparecer por parejas cómicas. Son, entre otros, Arlecchino y Brighella, Truffaldino y Buffetto, Pulcinella y Coviello. Los tipos fijos de la comedia son: los viejos, los enamorados, los sirvientes y el capitán. (Ilustraciones de Maurice Sand).

• Los Enamorados.

  1. Ellos Primo attore: Leandro, Florindo, Federico, Flaminio (son independientes desde el punto de vista económico)
  2. l’Ennamorato (enamorados jóvenes): Lelio, Silvio, Oratio, Flavio… (hijos de la clase alta)
  3. Ellas Prima attrice: Isabelle, Beatriz… (son independientes desde el punto de vista económico)
  4. l’Ennamorata (enamoradas jóvenes): Clarissa, Rosaura, Angélica… (hijas de la clase alta). (Fuente)

Son hijos de nobles, pero que sólo queda el padre viudo. Los han mandado a estudiar a las ciudades más importantes, en las artes, las ciencias y la destreza guerrera. No llevan máscara, sólo el maquillaje social. Visten con ropajes característicos de la época. Se asocian con perros o gatos de raza, siempre mantienen su porte y elegancia. Están muy pendientes de su aspecto exterior, de cada uno de sus movimientos, de sus atuendos y su cuerpo. Prácticamente no comen, les parece una acción vulgar, son cuasi anoréxicos.

Su centro de energía está en el pecho, y caminan en puntas de pie, como si no sintieran el peso de la gravedad, y estuvieran flotando. Realizan movimientos amplios con los brazos, ocupando todo el espacio posible. Podemos decir que funcionan de la cintura hacia arriba. Son fetichistas, adoran los objetos de su amado, una carta, un pañuelo, pero nunca se tocan con el otro, pueden besar un lazo que encuentran caído en el piso, si creen que pertenece a su amado. Tienen tendencia al suicidio, ante cualquier problema, si creen que su amor no los quiere, o si les sale un granito, o se les mancha el vestido, justo cuando van a encontrarse con el ser amado. También tienden a la locura, ante las situaciones que no pueden resolver, y en su locura se convierten en una animalito (una oveja, un pato, un sapo). Su función en el canovaccio es querer casarse con su amado, pero siempre el padre se opone por un problema con la dote (los bienes que por costumbre tenía que entregar el padre de la novia ante un casamiento).

Se los asocia con el elemento agua, surgen a la vida, y lagrimean. Se alimentan de vegetales, no porque sean vegetarianos, sino porque la carne les parece un alimento vulgar. Nunca tienen hambre, eso es cosa de los siervos. Los enamorados son muy valientes y pueden llegar a ir a la guerra para rescatar a su amor, en ese caso portan una máscara neutra, para no ser reconocidos.

Es el amor idealizado. La persona amada es más para ser soñada, que para ser tocada. Los enamorados son heroicos, el pecho siempre abierto. Por amor pueden someterse a cualquier sacrificio, tortura. Son inteligentes, pero su inteligencia se ve obnubilada por la pasión, de las penas, las alegrías, viven en un estado emocional fluctuante, que les provoca una alteración mental. Son celosos, orgullosos, reconocen sus propios errores, siempre en forma extrema, en forma dramático–patética. Sienten amor y odio absoluto, narcisos, no tienen sentido del humor. Siempre controlan sus gestos, para mostrar siempre la perfección. Están permanentemente utilizando un objeto personal, suelen ser: un pañuelo, un abanico, una carta, una espada.

  • Il Giovane Amoroso: El hombre interesante de su época: atlético, bien parecido, voz agradable, elegante y modales de la buena sociedad. Además de estos dones, era necesario demostrar su exquisito gusto musical, tener noción de letras e improvisar sonetos y madrigales. También ha sido encarnado bajo los nombres de Flavio, Horacio, Cintio, Ottavio, Leandro.

  • La Giovane Amorosa: Representa el ideal femenino de cada era, la musa, la diosa inspiradora, la razón que despierta la ráfaga de pasión en todos los personajes. Su historia de amor junto al Giovane Amoroso los convierten en los protagonistas de la Commedia. También se la conoce bajo los nombres de Fiorinetta, Isabella, Aurelia, Silvia. Camilla, Flaminia.

• Los Viejos

Están apremiados por el tiempo que se les termina, en estado permanente de urgencia. Son egoístas y siempre están sin mujer por diversos motivos. La función dentro del canovaccio, es la de obstaculizar, en general, el casamiento de los enamorados. Operan contra su propia naturaleza, quieren ser “el novio”, que se casa con la joven. Buscan un amor libidinoso. Aunque un viejo sólo puede enamorarse en la cabeza y en la baba que le cae por la boca, porque ya no son potentes sexualmente.

Se los asocia con el elemento tierra. Corazón de piedra. Lapidarios. Pero el viejo es la autoridad máxima en la casa y es el que da las órdenes, por lo que sólo podrá ser detenido en su accionar en forma deshonesta, con la fuerza, el engaño y la traición.

Algunos viejos característicos son:

Pantalone

• Pantalone. Se asemeja corporalmente a un pavo. El cuerpo curvo y largo. Sus pasos son cortos y rápidos. Camina con los talones juntos y los pies para afuera: en posición, como si estuviera sentado, pero sin sacar la cola afuera. Tiene los codos juntos y está permanentemente moviendo los dedos como si estuviera contando dinero. Otros nos dicen que su máscara corresponde a un animal, el águila, que concreta su carácter; es parda, huesuda y aquilina, oscila entre la seriedad y la broma y adquiere una relevancia especial, ya que a menudo se presenta de perfil. Cuando se pone contento salta, levantando los pies como si le quemara el suelo. Cuando tiene una emoción muy fuerte, se toma el corazón, como si le viniera un ataque, y cae al piso levantando los pies y pataleando. Pero, puede incorporarse de un salto, ante una mujer bonita o un billete. Estos movimientos ágiles que realiza, constituyen una convención de la máscara, dado que en general se mueve como un viejo. Viste ricamente a la usanza de la época y lleva una media máscara con sombrero. Pantalone es muy avaro, lo que más le importa en la vida es el dinero. Por ejemplo si en un canovaccio, se casa con la signora, no le molesta hacer la vista gorda y dejar pasar al sastre al cuarto con su mujer, porque en esa complicidad consigue no pagarle.

• Il Dottore. Corporalmente se parece a un cerdo. Viste una toga larga y sombrerito chato. Lleva una panza falsa. Camina como si fuera un resorte, subiendo y bajando. Lo que más le gusta es hablar y comer. Siempre tiene algo para explicar y mostrar sus conocimientos, empleando palabras en latín, en griego, o en cualquier otro idioma. Puede usar el grammelot, es una técnica en la que en realidad sólo se dice alguna palabra existente de un idioma y el resto son cuasi palabras improvisadas por el actor, pero con una intención precisa, como si estuviera hablando correctamente. Se mueve en el espacio, como si por todos lados hubiera pizarras donde el puede desarrollar sus teorías, no pierde ocasión de exhibir su supuesta sabiduría. Y además es un devorador de comida, una verdadera cloaca. El doctor no puede dejar de hablar, y realiza su sproloqui, esto implica que comienza una explicación y no se detiene, entonces los otros actores que están en la escena, se sacan sus máscaras y desde el actor, lo sacan, por la fuerza, de la escena, ya que la máscara del doctor, en esos momentos, es como si perdiera la consciencia de que está en un escenario dentro de un canovaccio, en general se repite a lo largo de la comedia, a veces le bajan el telón, o le cae un trasto encima, pero el Doctor vuelve a insistir.

• Il Capitano. Era en sus orígenes un zanni, pero que en la guerra se vende al enemigo, y finge ser un héroe en la batalla, pero en realidad es un cobarde y traidor a la patria. Su elemento es un palo, que lo lleva orgulloso, sonriente. Exhibe su coraje, alzando su mandíbula. se relaciona con el miles gloriosus de Plauto. Bajo la dominación española se hace español, y se presenta bajo variados nombres: Capitano Spavento della Valle Inferna, Capitano Spezza-Monti, Capitano Coccodrillo, Capitano Mala-Gamba e Bella-Vita, Capitano Taglia-Cantoni, Capitano Cerimonia, Capitano Fracasse, Capitán Matamoros, etc. Habla un español italianizado lleno de rodomontadas o fanfarronadas. Su enorme mostacho erizado, su gran nariz y su gran espada le ayudan a provocar miedo, pero en realidad es un cobarde ridículo. Parece grande, bello, orgulloso, fuerte, terrible, irresistible, imbatible en batalla y en el amor. Pero todo el tiempo se tropieza, o se golpea con su bastón, o se asusta, se equivoca la dirección. Le gusta comer manjares recostado y es de chuparse los dedos y emborracharse. Lleva una media máscara con una gran nariz y uniforme militar.

• Tartaglia. Notario tartamudo, miope, no escucha y está acompañado por una corneta que amplifica el sonido. Su animal es la tortuga.

• La bauta. Constituye una máscara atípica. No pertenece a la clasificación de las máscaras de la comedia del arte. Un tricornio negro, una capa negra con esclavina y el rostro cubierto con una máscara blanca. Su función es la de no ser reconocido, el ocultamiento. Es andrógina, ambigua. Era utilizada para salir de incógnito. Al contrario de las máscaras de la commedia dell´ arte, que determinan y definen claramente la función y personalidad del personaje. La bauta es lo opuesto, es la búsqueda de la no identidad, de la máscara masificada. Las leyes para el uso de la máscara en el gobierno veneciano: prohibición de introducir la máscara en conventos y lugares de culto; prohibición del uso de armas como parte integrante de la máscara; prohibición de uso de la máscara a las prostitutas; imposición del uso del tabarro y la máscara a las mujeres en los teatros. Al mismo tiempo que cumplía con una función de ocultamiento, también tenía una función social, ya que era usada sólo por la clase aristocrática. En las ceremonias oficiales y fiestas públicas era una obligación usarla.Se consideraba un disfraz ideal por los reyes y príncipes que podían circular libremente en la ciudad sin ser reconocidos. La fama de Bauta fue a lo largo de la Serenísima República, considerada como un símbolo reaccionario. La bauta tiene un aspecto fantasmagórico y se complementa con un tricornio negro, el zendale (túnica larga de satén), y una capa larga. Otros nombres: Larva, Casanova.

• Los Zanni

Los sirvientes. Se encuentran en estado de urgencia permanente. Llegan a la ciudad en busca de trabajo. Vienen de pueblos pequeños, en donde se hablaba un determinado dialecto, por lo que su forma de hablar es extraña, primitiva, con un ritmo, acentuación y uso de palabras incomprensible. No tienen educación, no saben leer ni escribir. Siempre tienen sueño y hambre. Duermen parados, no tienen acceso a las camas. No se bañan, entonces tienen mal olor y la piel escamada. También tienen piojos. Su centro está de la cintura para abajo ya que: instintos fisiológicos y sexuales El animal de referencia es el pollo en algunos otros el mono, la postura es con la cola y el pecho hacia fuera y las rodillas dobladas hacia delante. Nunca están quietos. Son astutos pero no inteligentes. Son muy miedosos. Visten un pantalón y camisa de retazos, de pedacitos de trapo cosido, de ahí es que viene la estilización del traje con los rombos, pero en realidad es un traje muy pobre. Lleva una máscara, con una gran nariz y un sombrero de paño. Un cinturón, donde lleva colgado el battochio, es un palo, que tiene un efecto en su construcción en madera, que cuando se golpea hace un fuerte ruido como si se estuviera pegando verdaderamente. Es ingenuo y puede creer que un papel que vuela con el viento es un ser vivo. Es un tonto –genio, si quiere ir del punto A al B, nunca llegará en línea recta , es más nunca llegará al punto B por propia voluntad, si llega será por casualidad. Sus nombres terminan con ino-ina. Derivaciones del zanni • Infarinato. En su origen fue zanni, pero ascendió dado que se ha convertido en criado personal de la señora. Por lo tanto duerme en una cama. Se enharinan el rostro, y tienen panza, son afeminados, como eunucos. Aman a la señora por sobre todas las cosas, darían su vida por ella, se tiran al piso, ante un charco con tal de que ella no se ensucie. La ayudan a vestirse y la acompañan permanentemente. Son amantes de los bombones, que la señora suele darles como premio. • La signora. En su origen era una zagna, pero que se ha casado con un viejo rico y se ha transformado en una mujer adinerada, obviamente casada por interés económico y mostrando su riqueza en exceso. Usa peinados altísimos con sombreros y tocados estrafalarios, hasta un barco puede tener como adorno en la cabeza. Toma clases para pertenecer a la nobleza, pero cuando se emociona pierde sus modales y le aparece su comportamiento primitivo. Hace gala de sus riquezas poniéndose todo al mismo tiempo.

Entre los principales Zanni tenemos:

  • Arlequín (Arlecchino): La máscara más famosa de la Commedia dell’Arte. Arquetipo del niño. Probablemente de origen francés, era la encarnación del demonio en la tradición de las fábulas medievales francesas. Con el papel de “segundo Zani” el siervo inteligente y tonto, ladrón, mentiroso y tramposo, en perpetuo conflicto con el jefe y constantemente preocupado de reunir el dinero para saciar su apetito insaciable. El origen del nombre de Arlecchino parece estar relacionado con el diablo. Remonta a leyendas sobre una jauría de condenados que galopa en las noches de tormenta, perseguida por unos diablos. Aparece este nombre en Francia, en la segunda mitad del s. XIII, como Herlequin (‘boca del infierno’), tipo cómico de diablo. Arlecchino es un tipo poco recomendable, un ladrón entrometido, farsante y fantasioso. Originario de Bérgamo, su estupidez le hace parecer a veces un loco genial: nunca se sabe si se burla de sí mismo o de los demás. Es grosero, llegando a lo pornográfico, pero al mismo tiempo es ingenuo e ignorante. Siervo paciente, goloso, siempre enamorado, siempre participando de embrollos, se aflige y se consuela como un niño, pero su oportunismo le hace perseguir siempre con sus burlas un interés. Sus movimientos son livianos, ágiles, graciosos, felinos. Se basan en el juego de la musculatura del dorso, que imita los movimientos del gato. Puede ensancharse, recogerse, dar un salto inesperado o lanzarse en un vuelo acrobático. Inquieto, hace continuas volteretas, saltos, caídas, que le permiten parodiar todos los bailes. Su vestido es, originariamente, la camisa y el pantalón blancos del zanne, pero se convierte en una túnica corta y pegada al cuerpo que está cosida con numerosos parches de distintos colores y formas según se va rompiendo, ya que Arlecchino no tiene dinero para comprar otra. Su máscara conserva unas pequeñas protuberancias en la frente, restos de los cuernos de su origen demoníaco. Habla el dialecto bergamasco con increíble rapidez. Los actores que se hicieron más famosos en este personaje fueron Tristano Martinelli (1630), Domenico Biancolelli (1646-1688), Evaristo Gherardi (1663-1700), Carlino Bertinazzi (desde 1700). Conocido por sus travesuras, su credulidad y su pereza. A veces es el amor de Columbine y Pierrot su rival.

  • Arlequín Moderno: El traje rasgado y sus parches coloridos, remiendos por todos lados, evolucionan en rombos brillantes. Rediseñado por Miguel Ángel. Yuxtaposición de lo sagrado a lo profano, el traje manifiesta cierta semejanza con el uniforme de los guardias suizos, diseñado precisamente por Buonarroti. Los antiguos diseños ahora se han convertido en una composición armoniosa de triángulos en colores alternados.

  • Arlecchina: la del traje con manchas coloridas, aparece por primera vez en el escenario de París en 1695 en un drama titulado “Regreso de la feria de Besons”.

  • Brighella: Arquetipo del Cínico. Aparece en 1603 y proviene de Bérgamo también, pero de la zona alta de Bérgamo, lo que le da una cierta superioridad sobre Arlecchino. Es inquietante, cínico y sagaz. Su nombre procede de briga (‘engaño, molestia’). Le encanta embrollar a los demás, especialmente si son tontos, procurando siempre un provecho personal. No respeta ni ama más que su propio placer. Cuando consigue dinero, se hace admirar y provoca e insulta a los más débiles, pero es cobarde ante los fuertes. Las mujeres temen sus burlas pero admiran su astucia. No tiene oficio, pero es observador y psicólogo para su propio beneficio. Toca la guitarra, canta con voz melosa y baila con gran vivacidad de piernas y brazos. Su vestido es una librea con bandas verdes. Su máscara es olivácea, de ojos oblicuos, labios sensuales y mentón bestial. Su lenguaje es menos rústico y menos inculto que el de Arlecchino.Siempre vestido de verde y blanco con una máscara facial negro o verde oliva, que lleva un bolso y una daga en su cinturón.

  • Pierrot (Pedrolino): es sincero y juguetón. es un zanni también. Aparece en la segunda mitad del s. XVI como creación del actor Giuseppe Giratone. Su seriedad, ternura e ingenuidad le acercan al tipo de enamorado pastoril. Su descendiente directo es el Pierrot francés. Su aspecto soñador se complementa con unos movimientos que persiguen la verticalidad. Enamorado ingenuamente de Franceschina, cuando ella lo engaña es él quien acaba pidiéndole perdón llorando. Lleno de candor, es impulsado por Arlecchino a gastar bromas a Pantalone o al Dottore, y siempre acaba pagando por los dos. Su fisonomía joven debe ser extremadamente movible, por lo que no usa máscara, sino la cara enharinada.

  • Punch (Pulcinella): Es un siervo a veces tonto o inteligente valiente o cobarde. Arquetipo del feo. Su traje es una camisa blanca, envuelta en una cinta. Lleva un sombrero largo y antifaz negro con una nariz ganchuda y arrugas. Napolitano, y aparece desde 1618 como descendiente del Maccus de las farsas Atelanas, con quien tiene en común su insolencia, o de Bucco que, sobrio de gestos, estalla de pronto de manera acrobática. Se cree que su nombre deriva de pulcino (‘polluelo’), o de pulce (‘pulga’). Viejo solterón, egoísta, glotón y sensual, lleva una joroba que convierte su carácter en cruel e irónico y que le hace ser atormentado. Trata de olvidar su desgracia física vengándose sin piedad de los demás y entregándose a placeres mundanos como la convulsiva ingestión de tallarines. Su movimiento es ligero y contrasta entre la inmovilidad y la agilidad instantánea. Su nombre proviene de Paolo Chinelli, uno de los primeros representantes de la farsa del siglo XVI.

  • • Scaramouche (Scaramuccia): Proviene de un personaje napolitano llamado Scaramuccia , siempre en busca de pequeñas grescas, cobarde y fanfarrón, el último y más cómico de una serie de capitanes, de éste deriva la figura francesa de Scaramouche, señor autodenominado de tierras que alguna vez existieron en esta tierra; no menos noble que Carlomagno y tan rico como su bisabuelo Creso. Ladrón, villano, amigo y rival de Pulcinella en una carrera de cuentos y picardía.

  • Columbine (Colombina): El mismo personaje lo encontramos con otros nombres: Esmeraldina, Franceschina, Mariolina, Ricciolina, Arlequina… En aquellos tiempos, el hecho de que un hombre decidiera ser comediante lo convertía, literalmente, en un proscrito; por lo que, para una mujer, tal osadía era todavía más grave. Hay que añadir que, al actuar sin máscara, las intérpretes de este personaje recurren al maquillaje para cambiar su cara y darle carácter. El papel femenino y su figura acicalada era muchas veces interpretada en el contexto social de la época como una manifestación diabólica, por lo tanto, reprobable y marginada. Su nombre, Colombina, se relaciona con Columba, el femenino, en latín, de palomo, el animal que la representa. Al igual que los otros criados, encarna el trabajador temporal de la región que busca trabajo en Venecia. A menudo, se la presenta huérfana o lejos de una familia que no puede alimentarla, sirvienta-celestina, criada o camarera de una gran dama de la aristocracia, de Pantalone, de sus hijos o del dottore. Se mueve con velocidad y eficiencia y es a menudo el único personaje sensato del escenario. Colombina ayuda a su señora a ganarse el afecto de su verdadero amor, a base de manipular a Arlecchino mientras se aleja de los intentos de acoso libidinoso de Pantalone. Es cómplice de su ama, su confidente y portadora de sus mensajes.

  • Trivellino: Se dice que Trivellino era el antiguo nombre de Arlecchino y es la máscara gemela de éste, aunque con nombre y traje diferente. Su nombre significa “el hombre de traje perforado”.

  • Scapino: Criado que arregla todo a patadas y puñetazos, cínico y calculador. Toma el mismo papel de los esclavos en la comedia Romana. Fue la inspiración para el Mascarille de Moliere.

  • Coviello: Personaje interpretado en Roma con gran éxito por Salvator Rosa, descrito como inteligente, intrigante, falso y fanfarrón, diestro en el manejo de la mandolina y la espada.

  • Narcisino: Tipo de Brighella originario de Malalbergo. Narcisino cuenta con una sola arma: su astucia.

  • Corallina: Franceschina, Betta, Marinetta, Violetta, y muchos otros nombres. Criada de charla audaz y gesto casual, siempre dispuesta a la adulación y la malicia, cómplice amorosa del ama,interviene para poner remedio la inexperiencia de ella, conduciendo el romance a un final feliz.

  • Pierrot: Personaje popular del teatro francés que se caracteriza por llevar un traje blanco muy amplio y con grandes botones. Descendiente francés del Pedrolino italiano.

  • Pagliaccio: El payaso, sería una de las primeras máscaras de circo junto al Pierrot francés. Nació de la imaginación del narrador Giulio Cesare Croce, quien resumió sus narrativas públicas en un libro titulado “Bertoldo, Bertoldino y Cacaseno”. Famoso por la ópera de Ruggero Leoncavallo. 

  • Peppe Nappa: Perezoso, pero capaz de saltos inesperados y danzas acrobáticas, codicioso e insaciable, juega regularmente en las parcelas el papel de siervo. Le encanta estar en la cocina o zumbando alrededor de ella, la comida es su pasión. Su traje consiste en una chaqueta y pantalón azul, ambos grandes y largos, un sombrero de fieltro, blanco o azul en una gorra blanca. Su nombre proviene de “borla”, “parche” en Sicilia.


Ritmos Musicales del Ecuador

Quito se ilumina by Fausto Ribadeneira

            Quito se ilumina by Fausto Ribadeneira

Quien ha leído el Lobo Estepario de Hesse seguro le intrigó conocer más sobre el Fox Trot que tanto amaba Armanda y tan difícil era para Harry. Aquellos ritmos que encapsulan toda una era. Fue una sorpresa encontrar que mi país, Ecuador, posee su propia versión del Fox Trot; el Fox Incaico.

La mayoría de los ecuatorianos no conocemos todos los ritmos que nacen en nuestro país, si pregunto por las calles muchos me dirán que conocen el Pasillo y San Juanito, algunos atinarán a nombrar alguno que otro más pero de aquello no pasarán. Como siempre, y lamentablemente, el ecuatoriano promedio desconoce totalmente su historia. Cuéntenme entre aquellos.

Generalmente la música ecuatoriana es calificada como melancólica y triste, siempre escucho el comentario de ‘Si Colombia creó un ritmo tan sabroso como la Cumbia, Argentina uno tan sexy como el Tango, y Brasil con la Samba se lleva todo, ¿por qué en Ecuador nuestros ritmos son tan apagados, tan triste es nuestro país?’

Pues claro que no es triste, hace pocos años se puso en boga el ritmo de Bomba, un ritmo negro que enciende cualquier fiesta, desmintiendo la afirmación que la música de la sierra ecuatoriana es la más triste. Nuestra población afro saca la cara.

Muchos ritmos son totalmente sublimes, algunos también me son nuevos y una grata sorpresa escucharlos por vez primera, tanto tiempo que permanecieron injustamente ocultos a mis oídos.

Indagando entre las redes me topé con la página del Ballet Folklórico de Ecuador, su exposición sobre los ritmos no podría haber sido más clara así que me tomaré el atrevimiento de citarlos, también citaremos la maravillosa Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez (la cual podemos comprar acá).

Abago

Danza ritual de la provincia de Imbabura.

En la enciclopedia de la Música Ecuatoriana, de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I, págs. 45 a 48, encontramos esta descripción:

“Abagos (también avagos), o abilus, los.- Bailarines indígenas de Imbabura, provincia de la región interandina del Ecuador, y piezas musicales que acompañan su baile en la fiesta del Corpus Cristi representando alegóricamente, con otros danzantes, la lucha entre el bien y el mal…

Danza del abago.- Moreno (Luis) en relato emocionado lo consideraba como la más bella composición autóctona que él conociera hasta la fecha: movimiento moderado; melodía noble; su forma, correcta y el conjunto, artístico. Apuntaba que la pieza contiene una escala de ocho grados y que “posee modulaciones y giros melódicos de gran valor artístico. Y no es que en su composición hayan intervenido los blancos; no, pues su carácter, estructura y modalidad son indígenas, inconfundibles para quien se halle familiarizado con esta clase de música […]
Tiene forma de cuadrilla, y así como en esta danza, cada número se repite constantemente hasta que termina la figura correspondiente: entonces concluye con una pequeña coda. El movimiento mesurado  se acelera un poco en el último número, cuyo ritmo de sanjuanito se halla revestido  de melodía variada, de estilo académico, con carácter de verdadera peroración, no obstante ser uno de los más pequeños de la serie”… “

Agua Corta

 “Forma parte del repertorio musical y coreográfico de los negros de la provincia de Esmeraldas y de los indios Chachis (Cayapas). Según las informaciones de Carmen Ramírez, es el canto de las lavanderas de oro en las comunidades que habitan las riberas del río Santiago, Playa Rica, Playa de Oro. Algunos versos son dedicados a la “famosa márcara de oro, encontrada en la Tolita Pampa de Oro, así como mensajes de tradiciones costumbristas. En este ritmo tenemos el popular baile Carambas” Fuente: Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I pág. 79

Agua Larga

“Forma parte del repertorio musical y coreográfico de los negros de la provincia de Esmeraldas y de los indios Chachis (Cayapas)…
El glosador en el agua larga cuenta viajes fantásticos por el mundo terrenal y otros mundos. El agua larga así como otras canciones del repertorio negro esmeraldeño de marimba, se puede ejecutar en “toque” de bambuco (“bambuquea´o”)
De acuerdo a las investigaciones de Carmen Ramírez, el agua larga simboliza la partida y el retorno de los pescadores y la escena de sus mujeres esperando en la playa. Indica además que se baila desde San Francisco de Onzole, Santa María de Cayapas, hasta la Tolita Pampa de Oro…” Fuente: Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I pág. 81

Aire típico

Alegre ritmo mestizo, propio de la serranía ecuatoriana, más ligero que el albazo o muy parecido al alza, (por su estructura musical se dice que el aire típico nació de estos dos ritmos), han sido compuestos en tonalidad menor y en metro ternario, en compás de 6/8 y 3/4 por serranos y costeños, infaltable en toda fiesta popular.

Albazo

Danza indígena y mestiza, baile suelto,  su nombre se deriva de las serenatas tocadas al alba para anunciar el inicio de las fiestas populares, se entona en compás binario compuesto de 6/8 y su origen se remonta a finales del siglo XVIII.

Alza

Baile mestizo,  conocido también como alza, alza que te han visto, probablemente nacido en el siglo XVIII como un baile “lento y monótono”, sin embargo alcanzó una gran popularidad con estilo alegre y picaresco en el siglo XIX; según los entendidos es un baile suelto con una estructura muy particular y algo exótica, parecido al costillar, propio de un criollismo montubio de la época, no tenía letras específicas preestablecidas sino que cada uno de los cantores improvisaba versos de acuerdo a las circunstancias y los atributos de las pareja de baile que lo hacían con pañuelos o sin ellos en entradas y atenciones que deleitaban a los espectadores.

Las sincopas y contratiempos en tonalidades mayores caracterizan al alza como un ritmo de innegable influencia europea, acompañados de arpa o guitarra y coplas improvisadas, fue muy popular en los recintos de la antigua “Bodegas”, hoy Babahoyo, provincia de los Rios, sitio obligado para almacenar e intercambiar productos de exportación ecuatorianos con hacendados, exportadores e importadores de productos y costumbres europeas

“… según parece, el alza tuvo su origen –o al menos de él sustrajo su modelo- en el costillar, danza antecesora al alza; los primeros compases en ambas piezas, a modo de aviso introductorio, repetían varios acordes sobre la misma nota. No tan extenso ni variado como el costillar, el alza alcanzó gran popularidad en el siglo XIX; la tradición nos ha permitido aún escucharlo en este siglo (XXI).
El alza bien podría considerarse una extensión musical que nació en el fandango, incluso su texto podría insinuar cierto parentesco a la supuesta lascividad de los fandangos.
Alza, que te han visto
no te han visto, visto nada
y solo, solo te han visto
la nagua, nagua bordada…”
Fuente: Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I pág. 156

Amazónico

Los dulces cantos y ritmos de la amazonía ecuatoriana hablan de la naturaleza, de la relación intrínseca entre el hombre de la selva y la naturaleza, del equilibrio y respeto a la vida, del pájaro, del puma, del amor.

Amorfino

Canto, verso y copla popular mestiza, baile y música del litoral ecuatoriano desde tiempos de la colonia, eminentemente un género musical montubio, de metro binario simple (2/4), baile de pareja suelta donde los cantores tienen la oportunidad de “versear” coplas de contrapunto, pleito o desafío en cuartetos, quintetos y hasta décimas, alentados por la muchedumbre participante.

Ella: El montubio piropea
la montubia no se achica,
ella con gracia campea
y él como un toro capea
si es que la avispa lo pica.

El: Todos dicen su pedazo
todos gritan como rana
el lagarto da el colazo
cuando le pica la iguana
o cuando se le echa el lazo

Andaréle

“Baile y música de los negros de la provincia de Esmeraldas. Se interpreta con conjunto de marimba, bombo, guasá, cununos, y es cantado por solista y coro; es un tipo de pieza responsorial. Existen variantes en el texto, así como en la línea melódica-rítmica de su música, de acuerdo a los intérpretes y a la zona de localización , pero su estribillo siempre repite en coro después de cada verso:

Andaréle y andaréle
Coro: andaréle, vamonó…

El andaréle es de las pocas danzas del repertorio negro ecuatoriano en compas binario simple (también lo es la polca y una especie de arrullo) Lindberg Valencia señala al andaréle como una pieza que se suele tocar  al final de un festejo; una pieza de “fin de fiesta” de ahí su estribillo andaréle vamonó …”
Fuente: Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I pág. 178

Arroz Quebrado

El musicólogo Pablo Guerrero Gutiérrez en su Enciclopedia de la Música Ecuatoriana lo menciona como “Baile de los mestizos del Ecuador” sin embargo es necesario resaltar que el arroz quebrado fue considerado una fiesta del populacho cuencano donde se entonaban y bailaban las creaciones musicales de arroz quebrado propiamente dicho, así como también los ritmos más populares de esa época como el albazo, el aire típico y el alza, así podemos entender también que arroz quebrado es un género de creaciones musicales populares y no necesariamente una creación rítmica únicamente

Arrullo

Canción de cuna, canto para hacer dormir a los niños, propio de las comunidades negras esmeraldeñas. Estos cánticos también se emplean en los chigualos o celebraciones del Niño Jesús, así como en las distintas festividades religiosas que mantiene la costumbre afroecuatoriana en Esmeraldas, así como también en la provincia de Manabí.

Dormite mi niño                                                 Dormite ni niño
dormite en tu hamaca                                      dormite en mi cuna
que no hay mazamorra                                    que no hay ni una fruta
ni leche de vaca                                                ni cosa ninguna

Bomba

Ritmo alegre y bullanguero, parecido al albazo (6/8) nacido con la Banda Mocha de instrumentos vegetales, como el “puro”, la “hoja de capulí” y la bomba propiamente dicha (tambor elaborado de una sola pieza o tronco de chaguarquero o penco vaciado, de parche, un cuero de chivo templado con cabestro) propio del sector afroecuatoriano asentado en el Valle del Chota, provincia de Imbabura. Actualmente se interpreta con la ayuda de una guitarra o requinto.

Caderona

Ritmo y baile caliente, alegre y desafío amoroso, propio de la cultura afroesmeraldeña, se entona con marimba, bombo, guasá y maraca, solista y coro. Mientras el/la solista refiere en su canto a ciertos atributos sensuales, el coro contesta “caderona vení meniate, vení meniate y remeniate”, pues el baile se refiere a una negra hermosa, de amplias caderas que sale al bailar y enamorar a los negros bailarines, a tal punto que son capaces de dejar a sus mujeres por seguir a “la caderona”.

Cachullapi

“Música de los mestizos del Ecuador, Con este término quichua que algunos lingüistas traducen como “apretado” se designó hacia los años veintes-treintas a un género de música popular, cuyo ritmo de base está en compás 6/8 similar al del albazo (si no el mismo) de movimiento rápido, con texto y con fusión de danza…”

Fuente: Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I pág. 363

Capishca

De estructura rítmica en tonalidad menor muy parecida al albazo, baile suelto, mestizo e indígena, muy alegre, se lo baila principalmente en las provincias de Azuay, Chimborazo y otras provincias centrales, sin duda alguna, es uno de los ritmos más alegres y zapateados, hay piezas musicales compuestas en compás binario de 6/8 en tonalidad menor (parecido al albazo)  y otras en compás ternario de 3/4 (parecidos al aire típico). Algunos investigadores afirman que su raíz etimológica proviene del quichuismo “capina” que significa exprimir, de allí es que el bailarín debe poner a prueba su ingenio y condición física al hacer movimientos hábiles, con picardía y galanteos para deslumbrar a su pareja.

Se supone que la conjunción de estos dos elementos rítmicos son los que dieron la pauta a mucha de la música mestiza que tiene características sincopadas.

Ceremoniales

Algunos ritmos utilizados exclusivamente en actos ceremoniales relacionados con el calendario campesino agrícola, son registros que varios musicólogos los llaman “Etnomusica”, la exquisita interpretación de sus notas a no dudarlo nos traslada imaginariamente a los orígenes de la identidad cultural que nuestros ancestros fueron labrando para heredarnos un nombre propio, castizo y con raíz en esta tierra. De allí el testimonio musical del Centro Cultural Peguche, Enrique Males y otros destacados maestros, de los cuales hemos tomado algunos fragmentos para nuestras coreografías ceremoniales, es una clara demostración del talento en el proceso investigativo e interpretativo de tan ilustres ecuatorianos.

Chigualos

Suerte de arrullos y villancicos, coplas de festejo infantil, se cantan en velorios de angelito o en las celebraciones del niño Jesús. Esta rica costumbre derivada de las rondas y los juegos de salón como “la pájara pinta, la casita de amor, el florón, la flor de maravilla y de manera particular el sombrerito” se ponen de manifiesto en las comunidades campesinas de Manabí y Esmeraldas desde el 24 de diciembre hasta el 2 de febrero, día de las Candelarias.

Costillar

O “el ají de queso ”llamaban nuestros antepasados a esta danza criolla que –en cuanto a su forma– participa de contradanza y de la cuadrilla; es decir, que se halla entre una y otra en cuanto a extensión y desarrollo; es, pues, mayor que la contradanza y menor que la cuadrilla; pero como éstas sus diferentes períodos representan otras tantas  figuras.”

Fuente: La música en el Ecuador de Segundo Luis Moreno.

Curiquingue

“…Especie de sanjuanito y baile de los indios de la sierra ecuatoriana, conocido desde la provincia de Imbabura hasta Loja. De acuerdo a algunos estudios, la dicción proviene del quichua curi=oro y quinca=nariz. El curiquingue es un pájaro de color negro y blanco, reconocido por su vivacidad, estucia y valor, de ahí que para algunas personas este pájaro traiga suerte. El Inca Garcilazo de la Vega asienta en su crónica que curiquinga significaba “ave sagrada del Inca” (curi=oro,  inga=inca, rey, dios del sol)…”

Fuente: Enciclopedia de la Música Ecuatoriana de Pablo Guerrero Gutiérrez, tomo I pág. 527

Danzante

Ritmo castizo de preponderante importancia en las provincias centrales. Originalmente se interpreta con bombo y pingullo en compás de 6/8 acompañada de acentos rítmicos por medio de acordes tonales y golpes de percusión en el 1er y 3er tercios de cada tiempo. Es visto y escuchado en “la salida de los Danzantes” en las festividades de Corpus Cristi y Fiestas de Santos Reyes. Posiblemente el danzante se deriva del “cápaccitua o baile militar ceremonial de los incas.

Fox Incaico

Música popular mestiza vigente desde la segunda década del siglo XX, sus escalas y modalidades pentafónicas en “tempo lento” es más propicia para canción que para baile. Dicen los entendidos que “su nombre proviene del fox trot, que significa trote del zorro, y que es una especie de ‘ragtime’ norteamericano, que data de la primera época de este siglo(XX), con cierto parentesco pero no tiene nada que ver con el jazz”. Su estructura en compás de 2/2 o 4/4, nos hace notar claramente ese sabor nacional melódico que la pentafonía andina consigue.

Las composiciones más conocidas son: La bocina (de Rudecindo Inga Vélez), Collar de lágrimas (Segundo Bautista), La canción de los Andes (Constantino Mendoza), El Chinchinal, entre otros

Habanera

Siendo un ritmo y baile centroamericano y nacido de la contradanza (baile de salón, suelto de dos o más parejas, en compás de 2/4), en Ecuador se ha popularizado algunas creaciones musicales realizadas por nuestros propios músicos, tal el caso del quiteño Aparicio Córdoba con su famosa “Van cantando por la sierra”.

Marimba

De acuerdo a los investigadores, la marimba o balafón (nombre originario) tiene su partida de nacimiento en Nigeria (África), de allí que desde tiempos de los negros esclavos traídos a América y ahora sus descendientes, lo tocan en casi todos los países de Latinoamérica.

Se dice que la marimba es el segundo instrumento construido por el hombre, después del tambor, y que los africanos originarios lo construyeron guiándose por los sonidos producidos por los costillares de animales prehistóricos.

Se complementa al ritmo y baile de la marimba, el bombo, guasá, cununo y maracas. Su ritmo es muy alegre y bullanguero, su canto hace referencia a episodios pasados y presentes, alabanzas, arrullos, temas de esperanza de mejores días y fundamentalmente las vivencias de la raza negra.

Pasacalle

Ritmo o danza mestiza, con clara influencia europea, probablemente llegó a América en el siglo XVIII, muy similar al pasodoble español y al corrido mexicano (con cierta variación de tiempo) los tres tienen el mismo estilo de baile.

Pasillo

Considerado como ritmo de bandera o identidad nacional, de clara influencia europea nació, según los musicólogos investigadores, en la entonces Gran Colombia, por lo tanto, es un error afirmar que Colombia, Venezuela o Centro América tienen la partida de nacimiento de tan hermoso ritmo. Fueron los soldados reales y curas ranclados asentados en esta parte de América para contrarrestar el movimiento independista, quienes lo fueron fraguando conjuntamente con los hábiles criollos que para ese entonces habían demostrado un gran talento para las artes. El pasillo originalmente se compuso como baile de salón (paso pequeño y ligero) de allí se han ido dando algunas variaciones de tiempo, dependiendo de la ubicación geográfica en donde se encuentran sus creadores, por ello fácilmente encontramos pasillos mexicanos, centroamericanos, colombianos, venezolanos, uruguayos y hasta cubanos. Pero lo más destacado es que el pasillo encontró su asidero más representativo en lo que hoy es Ecuador, la delicada pluma de sus poetas y maestría de sus compositores lo han ido dando una personalidad de elevados quilates que ha sido muy bien aprovechada por los mejores intérpretes, juntos le han puesto al pasillo en el sitio en que hoy se encuentra, nuestro principal referente musical a nivel internacional.

DATO EXTRA: Siendo Presidente de la República el Arq. Sixto Durán Ballén, según Decreto Ejecutivo 1118 publicado en el Registro Oficial Nro. 287 del 30 de diciembre de 1993, declaro el 1ro. de Octubre de cada año el “Día Nacional del Pasillo”. La fecha elegida recuerda el día del nacimiento del Ruiseñor de América, Julio Alfredo Jaramillo Laurido, artista que nació en 1935 y cuyo nombre permanece en la memoria del pueblo ecuatoriano.

San Juanito o San Juan

Ritmo precolombino, que a decir de algunos estudiosos investigadores nació en San Juan de Ilumán, Otavalo. Su forma de entonación y rasgueo varía del sector en donde se lo ejecute. En las fiestas de San Juan o San Pedro de las comunidades de Mojanda, Cayambe y sus alrededores, es propio escuchar este ritmo en temple Natural, de Galindo, Guanopamba o Granada.

Tonada

Baile y música  mestiza del Ecuador. Su estructura rítmica  es similar al de la chilena, pero escrita en tonos menores,  por su parentesco con el yaraví, parece ser que proviene de la palabra tono.

Los musicólogos dicen que la tonada puede ser una fusión derivada de antiguos ritmos indígenas andinos, particularmente del danzante y que poco a poco ha ido adquiriendo su propio estilo musical en manos de los hábiles músicos mestizos, especialmente de la sierra.

La tonada es el más claro ejemplo de mestizaje rítmico, puesto que es un ritmo producto de la influencia de la guitarra y el aparecimiento de las bandas de música.

Tono del Niño (Villancico)

“…En el Ecuador se asentó el alegre festejo navideño con la presencia de los nacimientos y los villancicos, estos últimos en dos manifestaciones: villancico religiosos, académico, compuesto por los religiosos de los monasterios y conventos y el villancico popular por compositores del pueblo. La fisonomía regional que alcanzó el villancico se manifiesta en sus denominaciones: villancico, aguinaldo, tono de Niño (Cuenca, Loja), Chigualo (litoral ecuatoriano). En nuestro país contamos con villancicos en géneros de sanjuanito, albazo, chigualo, fox incaico, pasillo, etc.”

Fuente: Cancionero Mestizo ecuatoriano de Julio Bueno.

Vals

“…Género musical de danza con texto. Derivación de los valses europeos que llegaron a América en los siglo XVIII y XIX. En el Ecuador se compusieron números valses para baile, inicialmente de salón, el pueblo les dio características más regionales y poco a poco se fueron constituyendo en valses criollos.”

Fuente: Cancionero Mestizo ecuatoriano de Julio Bueno.

Yaraví

De prehispánico nacimiento y es el pingullo, el rondador o la quena sus elementos originalmente interpretativos para acompañar en labores agrícolas y familiares, aunque su evolución especialmente en las provincias centrales y hacia el norte del Ecuador ha incluido el requinto y la guitarra, su estructura rítmica de 6/8 en tonalidad menor, es propicia para las quejas literarias de soledad y tristeza andina y le permiten por lo regular terminar su canto con una coda o estrofa final más rápida convertida en albazo, mambo o fuga.

En el Perú, también se entona este ritmo allá llamado triste y concluye con una última estrofa en allegro llamada tondero, equivalente al mismo yaraví y albazo respectivamente.

Yumbo

Ritmo y danza de origen prehispánico, su significado es: “danzante disfrazado que baila en las fiestas” y su referente está en la amazonia ecuatoriana, su entonación originaria se lo hace con tamborcillo y pito. Este género musical fue consolidado recién en la segunda mitad del siglo XX con la participación de varios maestros músicos como Gerardo Guevara con Apamuy Shungu (dame el corazón).

El yumbo, como personaje, viste de blanco adornado con colores muy llamativos o pieles de animales de la selva, una corona de plumas multicolores y collares elaborados con semillas, conchas o vistosos insectos disecados. Infaltable es en su indumentaria la lanza de chonta.


A Quito, Guayaquil y La Nena

Bosques aún llenos de magia,
de faunos, ninfas y hadas

La naturaleza y la existencia tiene un orden, eso ya lo hemos comprobado gracias a los fractales y la mecánica cuántica,
¿pero acaso tiene un propósito en general?


Songs about Ecuador

Hermosa fotografía de los Andes ecuatorianos arruinada por mí

Hermosa fotografía de los Andes ecuatorianos arruinada por mí

Hace algunos años que vengo escuchando la canción Montanita de Ratatat y no fue hasta hoy que se me ocurrió pensar qué otros artistas “de gran envergadura” han dedicado canciones a mi país. Claro, de inmediato vino a mi cabeza la majestuosa Guayaquil City de Mano Negra, así que con revisar mis archivos de audio me encontré con 3 canciones más y así nace este top 5 de Songs about Ecuador. Y bueno, muchas no son directamente “about” Ecuador, simplemente mencionan algún lugar del país o el nombre de una ciudad, suficiente para mí. Espero encontrar más temas, y si ustedes tienen alguno por ahí, no duden en mencionarlo.

Iniciamos con:

Mano Negra – Guayaquil City

Un clásico de clásicos. La leyenda detrás de esta canción cuenta que Manu Chao se quedó varado en Guayaquil sin un centavo en el bolsillo, nadie sabía quién era ni qué hacía, y le tocó vivir comiendo a duras penas y a expensas de ‘gamines y mercachifles’, asociado con seres del bajomundo hasta que finalmente pudo salir del país. El Guayaquil de la década de 1990 era un asunto muy serio, la letra inmortaliza la ciudad y aquel tiempo estupendamente.

Sash! – Ecuador 

Quizá la canción más famosa sobre Ecuador, cualquier ser que estuvo vivo en 1997 escuchó esta canción, y, si eras lo suficientemente mayor, hasta la bailaste con desenfreno, barbitúricos y psicodélicos en busca de los sonidos mágicos de ¡ECUADOR! 

La canción es obra de dos Djs alemanes: Adrian Rodriguez -quien presumo tiene ascendencia ecuatoriana- y Sash. Fue, sin duda, uno de los mayores hits de la era del eurodance y el techno, estando presente en prácticamente todo evento y lugar por más de 3 años. Y aún hoy, cuando escuchamos el intro de aquella canción, nos llena de algo de vergüenza y orgullo que esta canción hable de Ecuador y sus sonidos mágicos. Sin duda la temática es muy mística y muchos europeos emprendieron el viaje en busca de dichos sonidos. Así que gracias Sash y Adrian Rodríguez por hacerle este bien al turismo ecuatoriano.

Los Fabulosos Cadillacs – Galápagos

He aquí otro clásico, seguro salido de alguna de las aventuras de adolescencia de Vicentico y sus viajes mochilereanos por sudamérica, o simplemente imaginería salida de un atlas.

 

The Smashing Pumpkins – Galapogos

Corte del sublime Mellon Collie and the Infinite Sadness, me gusta imaginar que Billy Corgan escribió este tema luego de pasar por Galápagos en un día de neblina donde no vio iguanas ni tortugas, y que erró en poner la ‘O’ en lugar de la ‘A’ en el título debido a los “pogos” o mosh que se daban con frecuencia en los conciertos de estos lares. Un hombre puede soñar. Hermoso tema por donde se lo vea, esté inspirado en las Islas Galápagos o no. 

The Mars Volta – Cotopaxi

Qué alegría fue escuchar el Octahedron y encontrarme con esta joyita llamada como uno de los volcanes activos más grandes del mundo, que pertenece a la provincia del mismo nombre en mi país. Como siempre, las letras de Cedric son muy crípticas y no sabemos si tenía en mente precisamente al volcán a la hora de nombrar la canción o simplemente se le vino porque lo vio en una enciclopedia alguna vez. Sin embargo parece compartir el elemento “místico” y arcano del hit de Sash con versos muy interesantes como ‘When sanskrit was my mother tongue…’ y ‘...up that hill go the last of my crumbs.’ El que quiera entender, que entienda. Como dato adicional At the Drive-In, proyecto paralelo de los Mars Volta, nombró a uno de sus EP ‘¡Alfaro Vive Carajo!’ un grupo armado de extrema izquierda ecuatoriano que existió en la década de 1980. 

 

Ratatat – Montanita 

Mi favorita del top. Matrimonio perfecto de lo orgánico y lo electrónico, una de las mejores canciones de lo que va de este siglo, qué alegría que sea sobre esa playa tan legendaria como es Montañita (Prov. Santa Elena). Legendaria por los momentos que se viven en ella, aunque debo decir que ahora lamentablemente está perdiendo esa magia. Parada obligada de los turistas que vienen por un poco de diversión. Seguro los Ratatat se pasearon por aquellas olas de perdición que ofrece Montañita y le dedicaron este tema.

Pocas canciones logran captar un momento, una sensación, un lugar tan bien como ésta. A primera escucha te transporta a un paraíso tropical, una playa de ensueño, momentos con tus amigos, atardeceres con fogata, cerveza, porros y besos. Una obra maestra de los neoyorquinos con la cual se ganaron mi respeto total y dejaron de ser, a mis oídos, una ‘bandita’ más de la escena “electro-indie”.


El Conde de Lautréamont y Dolores Veintimilla; los suicidados del tiempo y su nexo

El Conde de Lautréamont y Dolores Veintimilla

El Conde de Lautréamont y Dolores Veintimilla

Siempre es grato encontrarse con estos ‘encuentros imposibles’ literarios, sobre todo con éste que parece tan inverosímil; el proto-surrealista Lautréamont (1846 -1870) y la proto-decapitada Dolores Veintimilla (1829 – 1857). ¿Cómo fue que el poeta uruguayo-francés tan famoso en todo círculo artístico llegó a conocer a la poetisa ecuatoriana de la que aún en su país de origen sigue siendo una desconocida? Es algo grato en verdad. A continuación el párrafo, extracto de su Poésies I, donde Isidore Lucien Ducasse (verdadero nombre del Conde) menciona a Dolores: 

Constato, con amargura, que no quedan más que algunas gotas de sangre en las arterias de nuestras tísicas épocas. Desde los lloriqueos odiosos y especiales, patentados sin garantía de un punto de referencia, de los Jean-Jacques Rousseau, de los Chateaubriand y de las nodrizas con bragas de niño de pecho Obermann, a través de los demás poetas que se han revolcado en el fango impuro, hasta el sueño de Jean-Paul, el suicidio de Dolores Veintimilla, el Cuervo de Alían, la Comedia Infernal del polaco, los ojos sanguinarios de Zorrilla, y el inmortal cáncer. Una Carroña, que pintó antaño, con amor, el amante mórbido de la Venus hotentote, los dolores inverosímiles que este siglo ha creado para sí mismo, en su querer monótono y repugnante, lo han vuelto tísico. ¡Larvas absorbentes en su letargo insoportable!

Para muchos esta mención no pasará de una nimiedad sin importancia y sin relevancia histórica, pero para el amante de la literatura -sobre todo el ecuatoriano- significa algo por demás relevante. Se trata de uno de los grandes exponentes de la literatura mundial y su conocimiento de una de las poetisas más importantes del país, en tiempos que ésta no era conocida ‘ni por su mamá’ como reza el vulgo, aquí radica la extrañeza del suceso y precisamente por esto ha sido materia de estudio e investigación a lo largo de siglos. Hace poco (2012) el investigador uruguayo Ruperto Long llegaba al país con un libro sobre la vida del Conde donde mencionaba su conexión con Veintimilla, ‘agitando el avispero’ del círculo intelecual/oide ecuatoriano y dejar sobre la mesa la investigación del cómo se dio el nexo.

Este dilema, sin embargo, al parecer ya ha sido solucionado por la investigadora ecuatoriana María Helena Barrera-Agarwal quien menciona que muy probablemente se dio gracias al escritor peruano Ricardo Palma, quien en 1861 publicaba un ensayo sobre Dolores y su trágico suicidio. Este ensayo pudo haber llegado a manos de Isidore en una de sus visitas a su natal Uruguay, ya que Palma tenía gran difusión en Sudamérica, y tan tan, fin del misterio. ¿O acaso todavía no? La verdadera respuesta la sabremos en una de aquellas visitas pagadas en la máquina del tiempo, por ahora solo nos toca seguir imaginando. 

Aparte de este entrelazo literario, las dos figuras comparten más puntos en común: el haber fallecido jóvenes por ejemplo, Isidore víctima de una misteriosa fiebre y Dolores tomando cianuro de potasio acabando así con su vida llena de problemas personales; prácticamente desconocidos y menospreciados en su tiempo; reconocidos por el público y la crítica solo después de su muerte; ser considerados pioneros y hasta mártires de movimientos artísticos que ellos no llegarían a ver, el Dadaismo de Tristan Tzara y el Surrealismo de André Breton en el caso del Conde, y los textos de la Generación Decapitada en el caso de Dolores. 

La obra más famosa del Conde es, sin duda, los Cantos de Maldoror, el único libro que llegó a publicar en vida, epítome de ‘maldad’ pura y cuna de imágenes surrealistas y versos dadá, sus textos les serán muy familiares a lo que han visto parir de Dalí y Buñuel. Con esta obra el Conde alcanzó la inmortalidad logrando calar hasta lo más hondo de cada generación que llega a leerlo y llegando a inspirar nuevas formas de hacer arte, como ya lo hemos visto. En el caso de Dolores, su poesía fue casi totalmente destruida por ella misma, sin embargo algunos poemas han sido recopilados, siendo el más famoso el hermoso poema titulado Quejas, donde expresa su dolor de una forma sublime. Espero que con esto se incremente la atención a la obra de poetas ecuatorianos, obra por demás desconocida e infravalorada sobre todo por los mismos ecuatorianos. Por supuesto que me quedo corto al “reseñar” a estos monstruos de la literatura, pero estoy seguro ya los revisitaremos en otra ocasión. En el adiós se llega a las poesías:

Los cantos de Maldoror, Canto Sexto [Fragmento]

La suma de los días no cuenta ya cuando se trata de apreciar la capacidad intelectual de un rostro serio. Sé leer la edad en las líneas fisiognómicas de la frente: ¡tiene dieciséis años y cuatro meses! Es bello como la retractilidad de las garras en las aves de rapiña; o, también, como la incertidumbre de los movimientos musculares en las llagas de las partes blandas de la región cervical posterior; o mejor, como esa ratonera perpetua, constantemente tendida de nuevo por el animal atrapado, que puede cazar por sí sola, indefinidamente, roedores y funcionar, incluso, oculta bajo la paja; y, sobre todo, como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección.

Dolores Veintimilla – Quejas

¡Y amarle pude!… al sol de la existencia
se abría apenas soñadora el alma…
Perdió mi pobre corazón su calma
desde el fatal instante en que le halle.
Sus palabras sonaron en mi oído
como música blanda y deliciosa;
subió a mi rostro el tinte de la rosa;
como la hoja en el árbol vacilé.
Su imagen en el sueño me acosaba
siempre halagüeña, siempre enamorada;
mil veces sorprendiste, madre amada,
en mi boca un suspiro abrasador.
Y era él quien lo arrancaba de mi pecho
él, la fascinación de mis sentidos;
él, ideal de mis sueños más queridos;
él, mi primero, mi ferviente amor.
Sin él, para mí, el campo placentero
en vez de flores me obsequiaba abrojos
sin él eran sombríos a mis ojos
del sol los rayos en el mes de abril.
Vivía de su vida aprisionada;
era el centro de mi alma el amor suyo,
era mi aspiración, era mi orgullo…
¿Por qué tan presto me olvidaba el vil?
No es mío ya su amor que a otra prefiere
sus caricias son frías como el hielo.
Es mentira su fe, finge desvelo…
Mas no me engañará con su ficción.
¡Y amarle pude delirante, loca!
¡No! mi altivez no sufre su maltrato;
y si a olvidar no alcanzas al ingrato
¡te arrancaré del pecho, corazón!

Arqueología Arcana: Las Pirámides de Ecuador

Pirámide encontrada en Cuenca, Ecuador

Pirámide encontrada en Cuenca, Ecuador (Parte del tesoro del Padre Crespi)

Sudamérica es, sin duda, el territorio que siempre es dejado de lado, arqueológicamente hablando. El único territorio que ha sido explorado “apropiadamente” es el de Perú y Bolivia, sin embargo territorios como Colombia, Brasil, Paraguay, y muy particularmente Ecuador, esconden la mayor riqueza arqueológica de esta humanidad.

Conocido es en el mundo el famoso caso de La Cueva de los Tayos, sitio donde se encontraron un sinnúmero de artefactos y documentos que podrían haber cambiado la historia para siempre, artefactos y documentos que contaban los orígenes de esta humanidad, de este mundo, y del universo entero. Objetos tan interesantes como por ejemplo figuras e ídolos con motivos sumerios, acadios, babilónicos, y egipcios; tablillas de oro con escritura arcana donde, según las leyendas de los pueblos originarios, se contaba la historia de la humanidad; dioses mesopotámicos en Sudamérica, ¡cómo es eso posible! Pronto le dedicaremos un post muy especial a todos los misterios de esta cueva, mientras tanto como abreboca les dejo este fascinante video de la colección del padre Crespi, quien era poseedor de la mayoría de objetos encontrados en la Cueva de los Tayos, y que posteriormente, a la muerte de éste, fueron llevados de Ecuador a quién sabe dónde, objetos que es probable ya no existan o permanezcan ocultos por largo tiempo.

Pero hoy no nos ocuparemos de la apasionante Cueva, hoy hablaremos de Pirámides, sí, pero no las de Egipto, no pirámides Mayas, no pirámides Chinas; ¡no! Hoy hablaremos de las pirámides de Ecuador, ‘¿de Ecuadoooooooooooooor?’ Sí, sí, ¡Pirámides de Ecuador! Un hecho que en el mundo poco se conoce, pero que aquí estamos para mostrarlo, para revelar un poco de nuestra historia oculta, de eso que no aparece en ningún libro de escuela. Siempre he pensado que el hecho que existan pirámides en todo el mundo se debe al simple hecho de su lógica, y relativamente sencilla construcción para las culturas antiguas, como reza aquel adagio: ‘es mucho más fácil apilar piedras con forma piramidal que con forma de Partenón.’ Sin embargo hay detalles que no podemos ignorar se repiten incansablemente y comparten rasgos idénticos.

Primero empezaremos hablando de algo popular en mi país, pero quizá desconocido para el resto de países: Las Pirámides de Cochasqui. 

Pirámides de Cochasqui (Ecuador)

Pirámides de Cochasqui (Ecuador)

Las Pirámides de Cochasqui (sitio ubicado a 52 Km al norte de Quito) es un supuesto complejo astronómico pre-incáico, herencia de la cultura Quitu- Cara, construido -nuevamente, supuestamente- en el siglo V D.C. Estas pirámides, 15 en total, cuentan con la particularidad de estar “cortadas” en el tope y tener un ‘sello’ en lugar de punta. Cochasqui significa literalmente ‘tierra en mitad del agua’ o ‘mitad del mundo’, concepto que nos da varias ideas para volar, ¿acaso podríamos estar hablando de una Atlántida ecuatoriana, o acaso de un complejo estilo Gizé egipcio? Recordemos que el complejo de la meseta de Gizé en Egipto también era llamado por los antiguos egipcios como el centro mismo del planeta tierra.

Lamentablemente estas pirámides se han fusionado con la llanura de la sierra ecuatoriana, y hoy lo que podemos observar son simples montículos de terreno con formas rectas, y como sabemos ‘dios no construye en líneas rectas’. Espero el gobierno de mi país se preocupe más por este complejo e implemente la tecnología necesaria para intentar excavar y salvar un poco de su forma original para disfrutarlas de todos sus misterios a plenitud.

La Pirámide Negra de La Maná

Pirámide de la Maná

Pirámide de la Maná

La Maná es una pequeña ciudad ubicada en la provincia de Cotopaxi, a 150 km de Latacunga, capital de la provincia. En este lugar, en el año de 1984 se hizo un hallazgo extraordinario; se encontraron una serie de objetos que al parecer era imposible pertenezcan a alguna cultura arcaica o precolombina ecuatoriana. Los objetos fueron catalogados como “ooparts” (artefactos fuera de su tiempo) y su origen le fue otorgado, ni más ni menos, que a la legendaria atlántida.  A cada uno de estos objetos encontrados les dedicaré un post futuro, pero ahora nos enfocaremos en la misteriosa Pirámide Negra.

Esta pirámide, como pueden observar en la fotografía, no parece mesoamericana sino Egipcia, y si nos fijamos mejor encontraremos que es idéntica a los piramidiones encontrados en la meseta de Gizé, e idéntica a la Pirámide que aparece en el billete de $1 estadounidense, con la muy particular seña de ‘El Ojo que todo lo ve’. Es por eso que esta pirámide ha sido llamada Pirámide Illiminatti.

Al reverso de la misma encontramos una extraña inscripción en lenguaje arcano y también una serie de puntos que, se relacionan, ni más ni menos con la tan famosa Constelación de Orión  y glifos sánscritos arcaicos que aún no podemos interpretar. Según su descubridor, Guillermo Sotomayor, descubridor, esta pirámide, junto con las piedras y demás “ooparts” encontrados, eran parte del legado de Enki, dios sumerio que guarda estrecha relación con Sunki, un dios Shuar del oriente ecuatoriano, pero ésa es otra historia. Sigamos.

En el hermetismo, principalmente en las tradiciones rosacruces, encontramos la leyenda de las Tres Pirámides que actúan como ¿Antenas Cósmicas¿: la primera en Egipto, la pirámide de Keops; la segunda en Sumeria, y la tercera en la ‘Montaña Sagrada’. Por mucho tiempo se desconoció el paradero de la mencionada montaña. Umberto Eco en su Péndulo de Foucault menciona que esta Montaña Sagrada debe cumplir ciertos requisitos, como por ejemplo que las piedras al romperse toman una forma piramidal, un fenómeno de lo más curioso que efectivamente se da en La Maná, precisamente en la zona donde se encontró esta pirámide, las razones científicas para aquello no lo sé, algo tendrá que ver con el magnetismo y posición en la que está la zona.

Bueno sigamos con la historia, se supone que la segunda pirámide, la de Sumeria, fue de territorio en territorio hasta llegar a la India, donde fue encontrada en el siglo XVIII, en la década de los 1760’s. Al parecer de alguna forma esta pirámide llegó a manos de un maestro masón, quien luego viajó a Estados Unidos y finalmente se le fue mostrada a Benjamín Franklin, otro maestro masón y del conocimiento hermético, de inmediato escogió la pirámide como símbolo de la nueva república. Símbolo que posteriormente sería usado en 1935 para el billete de $1. Es por eso que esta pirámide nos parece tan familiar, todo está conectado, meus hermanos.

Complejo de Pirámides en la Jungla Ecuatoriana

Martillo de 'gigantes'

Martillo de ‘gigantes’

Recuerdo que en el año 2013 me enteré gracias a sitios de noticias asiáticos y europeos, que en Ecuador habían encontrado unas supuestas ruinas de una ciudad antiquísima y que ésta estaba habitada por gigantes de los cuales también se encontró restos. Supuse que esta noticia iba a ser un ‘boom’ en mi país, pero ningún medio de comunicación, incluso medios internautas, cubrieron o dijeron algo sobre el supuesto hecho. Pensé que era algo muy extraño, y deduje que la noticia de gigantes se trataba simplemente de un engaño sensacionalista más de los tantos que vemos en la red. Sin embargo gracias a un buen amigo que viaja por aquellas tierras del oriente ecuatoriano, me enteré que los descubrimientos de hecho se dieron, y existen websites donde se relatan los hallazgos e incluso muestran fotografías de la supuesta ciudad de gigantes y de las herramientas que éstos usaban, como por ejemplo un martillo ‘gigante’.

Como en todas las culturas del mundo los gigantes forman parte del folklore de este país, en cada ciudad existe una historia de gigantes, y por los lares selváticos estas leyendas abundan, se han encontrado osamentas y restos de personas que superan los 7 metros de altura. Recuerdo que inclusive entre mi familia existe una historia de una tía abuela que medía cerca de 2.50 cm. Así que este tipo de noticias no nos debería sorprender ni deberíamos tomarlas como un simple ‘hoax’ o broma de mal gusto. Lo mejor que podemos hacer es investigar e investigar. Poco a poco seguiré con las historias de gigantes en Ecuador, y mostraré las pruebas que confirmarían la existencia de éstos. Por ahora nos queda seguir otorgando el beneficio de la duda.

Esta es tan solo la primera entrega de una serie de artículos relacionados con mitos, hechos, y leyendas de mi país, hay muchos descubrimientos en extremo relevantes que se han hecho en este lugar y que no han tenido la cobertura que se merecen. También poco a poco iremos indagando en los nexos que tienen varios sitios de Ecuador con el resto del mundo. Temas que en verdad lo dejarán fascinado.


Las Rubias Vírgenes del Sol del Imperio Inca

Rubias vírgenes del sol

Esta historia viene de un libro que leí cuando era niño, de esos libros con páginas que parecen hechas de polvo y que a la mínima maniobra brusca van a desvanecerse; de esos libros que pertenecieron al hijo del primo del tío de tu tatarabuelo y que no sabes cómo existe  y ronda por la casa de tus abuelos sin saber cómo llega a tus manos. Supongo todos hemos tenido uno de esos libros, amarillos, gastados de tanto leer, las páginas a punto de desaparecer, en resumen, todo un tesoro. Si el libro está en esas condiciones significa que es bueno y su contenido le cambiará la vida.

Pues bien, este libro era ni más ni menos que de historia: La Historia del Ecuador, decía el título, contada por algún padre, franciscano o jesuita español cuyo nombre era ilegible y lamentablemente permanecerá en el anonimato. En sus relatos el sacerdote, franciscano o jesuita, nos contaba la historia de las antiguas culturas que habitaron este territorio, lo común que nos enseñaban en la escuelita, pero al llegar a la parte de los Incas había una sección que siempre me llamó la atención, era la parte que contaba sobre ‘Las Vírgenes del Sol’.

Las Vírgenes del Sol -leía- eran las sacerdotisas del Inca, encargadas de mantener el culto al dios Inti (Sol). Mujeres que eran iniciadas en los misterios antiguos y en los rituales sagrados. Además de relatar de la forma de vida de estas mujeres, mencionaba algo muy particular, describía a estas mujeres en detalle, citando a un amauta: ‘blancas, rubias, de ojos de azul cielo, destacando entre quienes las rodeaban’. Esta era mi parte favorita de todo el libro, encendía toda mi imaginación, cómo era posible que hayan existido mujeres rubias en este territorio, ¡y entre los Incas! Ojo, que se refería exclusivamente a las vírgenes del sol de Quito.

Vírgenes del Sol

El relato seguía. Estas mujeres eran las elegidas para desempeñar este cargo al ser consideradas descendientes de los dioses- existía toda una familia que se decía descendiente de los dioses, real y noble, aparte de la familia del Inca, que solo se permitía reproducirse entre ellos y así seguir entregando vástagos para los principales cargos. Es una pena que no recuerde el resto de la descripción sobre esta familia real. Pero estos fueron los párrafos que quedaron plasmados para siempre en mi mente.

Pero si esta familia y estas vírgenes rubias existieron, ¿dónde están sus restos o descendientes? Pues bien, un relato conocido en mi país es la llamada Resistencia de Rumiñahui, un general Inca que al enterarse de la inminente conquista española, arrasó con la ciudad de Quito, la quemó hasta sus cimientos y exterminó a las vírgenes del sol junto a sus consortes y familiares para que lo sagrado no sea vulnerado. Esto explicaría el porqué no se encuentra indicio alguno de éstos en la posteridad.

La simple idea de que la historia no sea siempre como nos la cuentan es algo que siempre ronda mi cabeza, y de algo de lo que estoy completamente seguro. Con el pasar de los años investigué sobre estas supuestas vírgenes del sol rubias pero no encontré nada, todo era tratado como un simple mito. Sin embargo algo en mí me decía que debía seguir investigando, que dentro de este mito había algo más que debía ser descubierto. Un rayo de esperanza vino a esta idea cuando hace algunos años leí sobre las momias rubias o pelirrojas encontradas en Perú y China, me pareció algo completamente fantástico, pero no pude encontrar ningún nexo fijo con las vírgenes del sol.

La idea seguía rodando en mi mente y llegué a las leyendas guaraníes del Paraguay, aquella de los reyes blancos y barbados. Ahora entraba en el “mito” de Los Vikingos en América, y los varios paralelismos que comparten con los guaraníes, en su idioma y religión. Una vez más me topé con investigadores fanáticos que se creían arios y no aportaban nada a la teoría, que, a pesar de parecer descabellada, no dejaba de ser interesante. Esta teoría nos habla de los Vikingos viajando a América varios cientos de años antes que Colón y fundando pequeñas colonias. ¿Acaso de alguna de estas “colonias” pudo descender aquella familia real de las Vírgenes del Sol?

Vikingos

No encontré pruebas suficientes que me digan que alguna vez los vikingos pisaron estas tierras, algún vestigio u osamenta por lo menos. Osamenta, sí. Volvía a las momias rubias, pero de éstas se dice que son mucho más antiguas que las culturas precolombinas conocidas. Estas momias databan de cuatro mil a ocho mil años A.C. cómo puede ser posible, estaba entrando en una nueva teoría, La Atlántida en Sudamérica. De acuerdo a esta teoría la mítica Atlántida de Platón sería la mismísima Sudamérica, y esto se apoyaría con las ruinas de Tiahuanaco en Bolivia, ¡donde existen puertos marítimos en medio del desierto! Hay varias teorías sobre estas ruinas, pero los locales siempre cuentan que la ciudad fue construida por los dioses, los mismos Incas afirmaban aquello y decían lo mismo de Machu Picchu. Se dice que pobladores de este antiguo continente sobrevivieron y viajaron a lo largo del mundo llevando con ellos el conocimiento, viajaron desde América hasta Egipto y Mesopotamia, Asia y diversos sitios del planeta, eran tratados como dioses a donde quiera que iban. Su aspecto era caucásico, y es por esto que a aquella familia de rubios incas se los consideraba descendientes de los dioses. Se han encontrado restos de humanos blacos, rubios y pelirrojos en China, y hasta en África, todo acompañado con folclor y mitos. Muy bonita esta teoría pero aún nos faltan pruebas.

La investigación seguía y finalmente dimos con una verdadera lumbre en el camino, se trataba de la comunidad de Chachapoyas en Perú, comunidad que también formó parte del imperio Inca, las personas de este sitio se distinguen por sus facciones claramente caucásicas, este hecho sorprendió a los Incas y a los mismísimos españoles, como leeremos a continuación en las crónicas escritas por Cieza de León:

 “Son los más blancos y agraciados de todos cuantos yo he visto en las Indias que he andado, y sus mujeres fueron tan hermosas que por serlo, y por su gentileza muchas de ellas merecieron ser de los incas y ser llevadas a los templos del Sol. Andan vestidas ellas y sus maridos con ropas de lana y por las cabezas solían ponerse llautos, que son señal que traen para ser conocidas en todas partes”

Incluso el afamado Inca Garcilaso de la Vega los describe como: hombres de piel rosada, ojos claros y cabellos rubios. 

Aborigen Chapapoya

Aborigen Chapapoya

¿Cómo puede ser posible? Arqueólogos alemanes (pueden leer el artículo completo y en alemán aquí) concluyeron que los habitantes de Chachapoyas son descendientes de Celtas, procedentes de la zona de Mallorca en España,  y de Cartagineses. Otro dato impresionante, celtas y fenicios en Sudamérica. Por increíble que parezca el mismo Inca Garcilaso de la Vega parecería confirmarlo sin saberlo al darnos pistas sobre el origen celta de este pueblo en la siguiente descripción:

Estos chachapoyas adoraban a las culebras y tenían al ave cúntur por su principal dios. Traen estos indios por tocado y divisa en la cabeza una honda, por la cual son conocidos  y se diferencian de otras naciones ; y la onda es de diferente  hechura  que lo que usan otros indios, y es la principal arma que en la guerra usaban , como los antiguos mallorquines” 

¡Boom! Todo parece indicar que los amigos alemanes tienen razón, ya que los “mallorquines” efectivamente proceden de la isla de Mallorca, en el archipiélago de las Baleares en España y fueron utilizados como honderos por ejércitos como el liderado por el general cartaginés Aníbal Barca (247-183 a.C) contra Roma en la Segunda Guerra Púnica.  Otros paralelismos con los Celtas:

  • Eran maestros en el arte de la trepanación del cráneo, para aliviar la presión craneal, al igual que los celtas.
  • También coinciden con los celtas en que coleccionaban cabezas cortadas de sus enemigos.
  • Construían casas de piedra redondas, con un diámetro de entre 7 y 9 metros, casas idénticas a las celtas.
  • Todavía hoy pueden verse las ruinas de las murallas de su imperio, muros enormes en elevaciones montañosas que recuerdan fortalezas europeas. (Fuente: mundo historia.org)
Aborigen Chachapoya

Aborigen Chachapoya

Impresionante, finalmente una nueva luz en el camino, todas las pruebas están ahí, ahora juzgue usted mismo.

Siguiendo con los pueblos aborígenes caucásicos, recordé que en el pueblo donde pasé algunos años de mi infancia, una zona llamada La Nena en la Provincia de Los Ríos en Ecuador, existía una pequeña zona donde la población tenía rasgos claramente europeos, recuerdo que mi primer amor platónico fue una chica pelirroja, en extremo hermosa, y una niña con rasgos nórdicos fue mi primera novia. Pensé que esto era algo normal, pero al salir de esa zona me encontré con que no era así. Lamentablemente esta zona y su población desapareció con el pasar de los años, pero si visitan aquellos lares se encontrarán con los campesinos más europeos que jamás verán.

Otro caso que tenemos en mi país es en ciertas zonas de la Costa Ecuatoriana, específicamente en la Provincia de Manabí, muchos clamaban que la razón de los rasgos europeos de varios habitantes de aquella zona se debía a la mezcla con norteamericanos llegados en la Segunda Guerra Mundial, pero he investigado y conversado con familias de la zona y me doy cuenta que son mucho más antiguas, son originarios del área, y tienen aquellos rasgos. El mismo caso podemos encontrarlo en la Provincia del Carchi, particularmente en el Cantón Maldonado, donde gran parte de la población tiene rasgos europeos, el origen de los mismos también se hallan ocultos, aunque la mayoría insista en que simplemente se deben a la mezcla con los “gringos” o su origen colombiano.

Pero no, hay algo más que bien podría ser similar al caso de los Chachapoyas, solo hay que seguir investigando y hasta lleguemos a comprobar que estas zonas están emparentadas entre sí, lo cual sería muy probable si consideramos que los Incas preferían a mujeres chachapoyas para llevarlas a los templos del Sol, y como es obvio varias de estas vírgenes chachapoyas, acompañadas de familiares, bien pudieron llegar a Quito, que fue la capital del Imperio Inca en los últimos años del mismo, y así se explicaría el gran misterio de las Rubias Vírgenes del sol del Imperio Inca. Incluso podríamos explicar el misterio de la comunidad de Maldonado en Carchi, al estar cerca de Quito no sería descabellado pensar que parte de esta población chachapoya llegó a esta zona y se quedó ahí fundando su propia colonia de aborígenes rubios. Suena muy lógico y plausible, ¿verdad, VERDAD? Sí, dentro de poco todo esto saldrá a la luz y formará parte de otro bonito libro de historia; soñemos juntos.

Ahora la pregunta subyace entre ¿las personas blancas vinieron a América o ya existían aquí con anterioridad y se extinguieron? ¿En verdad los europeos colonizaron estas tierras centenares de veces sin darse cuenta, o los vestigios de personas blancas encontradas en estos territorios son reminiscencias de una cultura antigua que tuvo que emigrar? Espero este artículo no se confunda con ínfulas de ‘europeísmo’ o frustración racial, peor con racismo en sí, no no no, simplemente busco desentrañar un misterio de nuestra América, uno de tantos, y seguir alimentando su curiosidad.

Quito

Quito

Como dato extra, si a usted le interesa el Quito incásico le dejo una descripción de los lugares sagrados de la ciudad, lugares que poco a poco han sido olvidados, y lugares buenos para visitar en los equinoccios (Fuente: Quito Adventure):

‘La ciudad inca de Quito solía estar en lo que actualmente es el centro histórico. Su centro era un gran Tianguez, el mercado que articulaba todos los productos de las diferentes llactas y ayllus tanto de los andes como de la costa y Amazonia, desde mucho antes que llegaran los incas; ahora es la plaza de San Francisco. El actual convento de esta congregación se encuentra donde antes empezaba a extenderse un gran complejo inca formado por las casas de los capitanes, patios, estanques y jardines, depósitos y aposentos militares, posiblemente lo que se llamaba el Coricancha (recinto de oro). Dentro o cerca debió estar el Inti Huasi, el templo del Sol, con su estructura recubierta de oro; al igual que la mayoría de edificaciones incas.

 Pero, sobre todo, la actual iglesia de San Francisco se habría construido sobre el Amaruhuasi o templo de Amaru, manifestación figurada de la deidad Illapa, segunda en importancia luego del Dios Sol o Inti. Illapa era el rayo, a Amaru se lo figuró como la gran serpiente fecundadora, un dragón cuyo aliento era el Huanacauri o arco iris. Varios autores sostienen que esta deidad fue remplazada por San Francisco, razón por la cual Atahualpa, antes de ser ejecutado, es bautizado con el nombre de Francisco, al igual que a sus dos hijos, siendo que este Inca se hacía identificar con Amaru, así como su padre era llamado el Inca Illapa.

 Otro sitio importante para los incas en Quito era el Inti Huatana, observatorio solar y lugar ritual. Constaba de un sistema de pilares usados para medir los recorridos del sol, las estaciones del año, los solsticios y equinoccios. Es muy probable que este se haya encontrado en la cima del Panecillo (antes Yavirak). Al pie del cerro debió estar el Acllahuasi, el hogar de las Acllas, las vírgenes del Sol. Del Quilla Huasi, o templo a la Luna, se tiene indicios que existía en lo que ahora es la loma de San Juan. El Palacio de Placer del Inca, en lo que es ahora el barrio El Placer (de ahí su nombre). Y así, existen numerosos lugares donde pudieron asentarse edificaciones incas, templos, aposentos, bases militares, mercados, etc., testimonios escondidos y olvidados, no sólo de incas, sino de las culturas ancestrales quitu y cotocollao que vivían hacia el norte del la actual ciudad de Quito y del Ecuador.’