Pink Floyd – Arnold Layne / Candy and a Currant Bun

Esta historia comienza mucho antes de que el gran Syd Barrett sucumbiera ante la locura, y mucho antes de que David Gilmour se uniera a las filas de los Floyd, inclusive mucho antes de que consiguieran la fama; aquí estamos hablando del principio. Cuando Pink Floyd era The Pink Floyd, y la psicodelia apenas daba sus primeros pasos por Inglaterra. Éste es ni más ni menos que el primer single de la banda, gracias a éste conseguiría contrato discográfico, y el resto ya es historia sagrada conocida por todo amante de la buena música.

pink floyd - arnold layne

En esta canción podemos ver el genio absoluto de Syd Barrett, muy diferente al de sus contemporáneos. Cuando la mayoría de los singles y temas éxito de aquella época hablaban sólo de paz y amor; Syd en Arnold Layne nos cuenta la historia de un travesti. Así sin más. La canción relata la historia de este tipo fanático de robar ropa de mujer. Roger Waters proclama que la canción está basada en hechos reales, en una entrevista mencionó lo siguiente: “Tanto mi madre y como la madre de Syd ofrecían pensión a niñas que iban a un colegio femenino cerca de una carretera. Ellas siempre comentaban que se le perdian la ropa interior y las bragas que colgaban del tendedor las niñas de la casa y era “Arnold” quien hacía esa gracia de robar la ropa de los patios traseros”.

La canción contó con la producción de Joe Boyd, y alcanzó gran éxito en las radios inglesas, pero luego de algunas semanas fue retirada de las listas ya que la consideraban demasiado “inmoral” al hablar de un travesti. Pero como se dijo anteriormente, gracias a esta canción la banda consiguió su contrato discográfico con EMI. Los señores de EMI exigieron a la banda que vuelvan a grabar el tema, con más instrumentos, más arreglos, y con personal del sello. Todos estuvieron de acuerdo menos Syd. Para él la canción estaba perfecta, así que nunca se la volvió a regrabar.

Para promocionarla se le hizo un video, muy acorde con la canción y la actitud de la banda, que os dejaré a continuación:

http://www.youtube.com/watch?v=EQTFRq1hjtM

David Gilmour también haría una versión de esta canción, en su gira promocional de su trabajo solista ‘ On an Island’, y ni más ni menos que con la colaboración de David Bowie. Arnold Layne también ha sido tocada en las últimas giras de Pink Floyd, y es una canción obligatoria en cualquier tributo a Syd Barrett, por supuesto.

Ahora hablemos del b-side, otra pieza maestra: Candy and a Currant Bun. Otra canción del gran Syd Barrett, es de los temas más hipnotizantes que podrán escuchar, de hecho es una oda a las drogas psicodélicas. Uno de mis temas preferidos de la banda, la voz de Syd junto a la maravillosa ejecución de cada instrumento es verdaderamente brillante. Los llevará a otro nivel de conciencia.

The Mars Volta realizó un brillante cover de este tema: http://www.youtube.com/watch?v=Kixpf4C-Ybg

Sin más aquí tenéis el single en estupenda calidad:

Download Album Here: http://bit.ly/wziqKD

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Nico – Chelsea Girl

Todos quizá recuerden a Nico como aquella que participo con The Velvet Underground en el álbum début de la banda, y que fue incluida en la banda por insistencia de Andy Warhol, que era el manager de los Velvet, y a los Velvet no les tocó de otra que decir ok. Bueno pues les cuento que Nico era mucho más que eso. Ella está en ese podio de las artistas más grandes y extravagantes que se han visto. Con un minimalismo asombroso, que acompañado por su distintiva voz sombría y oscura a ratos, hizo que se convirtiera en un referente para todo artista a partir de ella.

Chelsea Girl, es el debút solista de Nico. El nombre del disco lo tomó de una película de Andy Warhol que ella había protagonizado en 1966. Para la grabación del mismo cuenta con colaboraciones de sus ex compañeros de The Velver Underground: John Cale, Sterling Morrison, Lou Reed, que la ayudan con canciones como: Little Sister, Winter Song, It Was a Pleasure Then (la única canción en la cuál está acreditada Nico), Chelsea Girls, y una composición temprana de Lou Reed, Wrap Your Troubles in Dreams. Además de Jackson Browne que escribió tres canciones para ella: Somewhere There’s a Feather, The Fairest of the Seasons y mi favorita del álbum, These Days. Tim Hardin colabora con una canción Eulogy to Lenny Bruce, y el mismísimo Leonard Cohen ayuda con la musicalización y arreglos. No es raro que alguna de las canciones sean muy folk y preciosamente enigmáticas, muy al estilo de Leonard. Bob Dylan también contribuyó cediéndole una canción, I’ll Keep It With Mine.

A pesar de ser este su disco más famoso y reconocido, no es necesariamente el mejor de la artista alemana. Principalmente porque no le dieron la libertad creativa que ella quería e inclusive le negaron los instrumentos que pedía, como una guitarra, bajo y batería; instrumentos que están ausentes en el disco y que caracteriza el particular sonido del mismo. En lugar de los instrumentos mencionados, podemos escuchar una sección de cuerdas muy a lo Velvet Underground y también una flauta. Sí una flauta que es el rasgo más particular del disco, en especial porque Nico la odiaba! Fue tanto su disgusto con la flauta que confesó que luego de escuchar el disco terminado, simplemente se tiró a llorar. Estaba totalmente disgustada y decepcionada con el resultado final. Todo lo que ella quería que este disco fuera, se lo habían arrebatado.

Pese a las negativas de Nico, el disco con el tiempo se ha convertido en todo un clásico y como os he mencionado en el disco referente de Nico. Otra joya de 1967. Un disco totalmente diferente que marcó pauta para los posteriores trabajos de Nico, esta vez enteramente con composiciones de ella, y también marcó pauta para todos aquellos artistas con ganas de experimentación.

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The Doors – Strange Days

 

The Doors y su segundo disco. El debút de la banda liderada por Jim Morrison fue apoteósico y como sucede casi siempre con los debuts de este tipo el disco que le sigue fue un poco eclipsado. Aca lo rescatamos.

Podríamos decir que este álbum es un “The Doors Vol. II”, o un b-sides del primer disco ya que las canciones que conforman este álbum fueron editadas para ser publicadas en el primer disco, pero se las descartó porque no iban en la linea que ellos querían seguir en lo que fue su primer trabajo.

 

La banda tenía mucha fé en este disco, hasta decían que pensaban que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles hayan hecho. Al salir el disco fue recibido muy bien pero tiviamente, lo cual molestó un poco al grupo, pero con los años se ha convertido en un disco de culto. No solo por su portada tan vistosa en la que el fotógrafo Joel Brodsky tuvo que buscar personajes “destacables” ya que la banda se negó por completo a salir en la portada. Sobretodo por contener esa poesía Morrison a su máxima expresión. Contiene una de los primeros poemas de autoría de Jim; “Horse Latitudes”, donde Jim grita la letra y la banda lo acompaña con ruidos acorde a sus palabras, también contiene una de las primeras letras que escribió para The Doors, la maravillosa “Moonlight Drive”.

Pero sin duda los puntos altos del disco son las canciones autoría Morrison/Krieger; las legendarias “Love Me Two Times” y “People Are Strange”.

 

 

La letra de Love me Two Times fue escrita por el guitarrista Robby Krieger. Según él la canción trata de un soldado y su última noche con su novia, antes de partir a la guerra. Como curiosidad Ray Manzarek toca un Clavecín o Clavicémbalo, en lugar de un Clavicordio como la gente piensa.

 

 

People Are Strange es quizá una de las canciones más insignes de la banda. Otra de las escritas por Robby y Jim. Esta vez la inspiración viene de una tarde en la que los dos salieron y Jim estaba deprimido, caminaron y caminaron por las calles y quizá Jim se sentía todo un fenómeno en esos momentos, un ser raro, un extraño. El baterista John Densmore destaca además que quizá la canción se trata de la vulnerabilidad que sentía Jim en ese tiempo.

 

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Leonard Cohen – Songs of Leonard Cohen

 

Qué es lo que hace que un exitoso poeta y escritor consumado de 33 años con 2 novelas y 4 libros de poemas publicados incursione en el mundo de la música? Pues el amor por la música y el deseo de siempre hacerlo. Alguna vez mencionó esta hermosa frase, con la cuál como escritor amateur me identifico también: “Hay veces en que las palabras vienen reclamando una música que las complete”. Pero claro hay otra razón más y esta fue como no, la necesidad económica. Hizo tan buen trabajo musical que con el tiempo este trabajo ha eclipsado por completo sus obras en el mundo de las letras.

 

Este disco al igual que sus obras literarias, es una obra maestra! Cohen mencionaría alguna vez esto: “Siempre hay una guitarra invisible detrás de toda mi obra”. Hermosa frase también. Y claro esta vez con la ayuda de John Hammond, aquél que llevó a Bob Dylan al escenario mainstream y de Judy Collins que grabó dos canciones escrita por él (“Suzanne” y “Dress Reahersal Rag”) un año antes de la salida de este disco y de un día para el otro con la ayuda de estos personajes, Leonard estaba entre los mejores de la escena Folk. Luego sin darse cuenta ya estaba grabando lo que sería su disco debut.

Es un logro inmenso que el disco haya logrado catapultarse como uno de los mejores, sobretodo dado la época y el año en que salió; 1967! Año del flower power, rock barroco, inicios del progresivo. Leonard viene con un disco simple pero tan cautivante que ninguno de sus contemporáneos quedó indiferente y se empezó a hablar de la leyenda en la cuál se convertiría con los años. Y no se equivocaron.

 

 

Al igual que Bob Dylan y The Beatles, no hay artista que no haga un cover de Leonard Cohen alguna vez en sus carreras. Son las palabras, es la poesía pura que como he dicho cautiva a cualquiera. Incluso con su rango vocal limitado, y acompañado sólo por una guitarra acústica, Leonard nos transmite cada palabra llena de la emoción que el desea expresar con relativa facilidad. Cuando escuchas el disco lo sientes a Leonard a tan solo unos pasos de tí, te imaginas que mientras canta, te está enseñando sus poesías y sus secretos de conquista. Si eres mujer claro te vas a imaginar otras cosas mucho más divertidas.

Los puntos altos del disco están presentes en su totalidad, las cargas del realismo mágico de las letras no te hacen aburrir nunca, un buen disco para escuchar por las noches especialmente o a la hora donde tu imaginación esté más a flote; así conseguirás integrarte en las historias que el buen Leonard nos canta. Como en “Sisters of Mercy” donde nos narra como dos mujeres le dieron refugio en una noche de tormenta feroz y luego la imaginación vuela. Pero son estas dos canciones que voy a mencionar a continuación quizá las más insignes de este disco y porque no quizá las más representativas en la carrera de Leonard.

 

Suzanne

 

 

Leonard cuenta que esta era una canción incompleta pero la inspiración para completarla y darle esencia viene de Suzanne Verdal. Cuando Leonard conoció a Suzanne ésta estaba casada con un amigo de él; el escultor Armand Vaillancourt. Leonard se enamoró a primera vista de ella. No la podía tener claro y le escribió esta hermosa oda a un encuentro que pudo haber pasado pero no pasó. Suzanne con el tiempo se divorció de Armand y volvió a ver a Leonard ya que este la visitaba con frecuencia pero Suzanne nos cuenta que nunca sucedió nada entre ellos. Ella estaba completamente seducida por el carisma y sex appeal de Leonard, pero lo veía como un mentor, como un dios y no quería arruinar la magia.

 

So Long, Marianne

 

 

Uff Otra obra maestra! Esta vez la inspiración viene de otra mujer; Marianne Jensen. La que para Leonard era la mujer más hermosa que jamás vió. Se conocieron en la isla Griega de Hydra en 1960. Ella había sido abandonada por su esposo, junto con su hijo de apenas 6 meses. Cohen la llevó de vuelta a su hogar en Oslo, Noruega, y luego le ofreció irse con él a Canadá, ella aceptó y la pareja vivió junta en los años 60. Fue su gran musa. Le dedicó su tercer volumen de poemas “Flowers for Hitler” y Marianne aparece además en la contraportada de su segundo disco “Songs from a Room”.

 

Leonard Cohen and Marianne Jensen

Leonard Cohen and Marianne Jensen

 

Ahi tienen. Es un disco simplemente indispensable, se volverá un disco de aquellos que les guardan un espacio especial en su corazón. Se enamorarán en definitiva de nuestro buen Leonard.

 

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The Kinks – Something Else By The Kinks

 

Al nombrar The Kinks, de inmediato se nos viene a la mente (a los conocedores de buena música por supuesto) hermosas y poderosas melodías, y la definición de lo que es el rock en su máxima expresión, una banda verdaderamente única, original en todo sentido. Una de las mejores bandas que nos dió la invasión británica, para mi y otros sólo está por debajo de The Beatles en cuanto a calidad compositiva. Fueron opacados en gran manera por los 4 grandes de Liverpool, al igual que muchísimas bandas en los 60, pero recientemente se ha dado un fervor por el redescubrimiento de esta banda y estamos en la época de una nostálgica Kinksmania.

 

 

Pero bueno entremos en materia, “Something Else By The Kinks” es el quinto álbum de estudio de la banda, escuchamos un sonido más apacible que sus discos anteriores y composiciones más pulidas, tenemos la particularidad de que en la producción tuvo mucha más presencia el vocalista Ray Davies y no su productor habitual Shel Talmy, que de hecho esta sería su última colaboración con la banda.

El disco está plasmado de poesía en sus líricas, cortesía de Ray Davies,  arreglos sofísticados, canciones en verdad brillantes. Interpretaciones sólidas del bajista Pete Quaife y el baterista Mick Avory (me encantan en particular en “Tin Soldier Man”). En el sonido se nota un poco de la influencia psicodélica tan a la moda en la época ejemplo claro de esto lo vemos en la canción “Lazy Old Sun” escrita por Ray quién nos entrega además la perfección de “Waterloo Sunset” sencillamente una de las canciones jamás escritas, con todos los elementos de lo que la música debería ser.

Pero la otra contraparte Davies, Dave no se queda atrás en cuanto a composiciones y nos entrega canciones que ahora son clásicos como la sublime “Death of a Clown”, “Love Me Till the Sun Shines”, más su single lanzado por estas mismas épocas y acreditado sólo como Dave Davies “Susannah’s Still Alive” y como b-side “Funny Face”.

 

 


Así que les dejo las favoritas que por supuesto ya sabrán cuáles son, primero;

 

Death Of A Clown

 

 

Una de las canciones más conocidas de la banda, aunque al principio el single sólo fue acreditado a Dave Davies, es decir su canción solista. Pero participan todos los Kinks, además de la primera esposa de Ray Davies, Rasa Davies, haciendo las hermosas voces femeninas que escuchamos. Una canción épica en todo sentido.

Ahora la mencionada y tan celebrada;

 

Waterloo Sunset

 

 

La primera vez que la escuché por poco lloro, no podía creer estar escuchando tan buena canción! Desde el riff inicial te absorve por completo. La guitarra tan característica se debe una vez más a Dave Davies (creador del innovador sonido en “You Really Got Me”) que en sus ansias de explorar, puso un eco y un delay en la cinta, y asi se obtuvo el sonido del cuál el mismísimo Steve Marriot de los Small Faces era fan y luego preguntó a Dave su secreto para tan original sonido. La canción según Ray está inspirada en una historia que imagino donde  su hermana, huía a otro mundo con su novio y emigraban a otro país. Además de estar inspirada en la tierra nata de The Beatles; Liverpool. La canción inicialmente iba a llamarse “Liverpool Sunset” por el amor que Ray le tiene a esta ciudad, The Kinks son de Londres pero Ray dice que su corazón siempre estará en Liverpool.

 

 

 

A disfrutar este disco entonces, y a darse cuenta que The Kinks no es sólo “You Really Got Me” ni un cliché Mod, sino que es una de las mejores bandas que han existido, de aquellas que están en el pedestal del rock.

 

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The Moody Blues – Days of Future Passed

The Moody Blues - Days of Future Passed

 

The Moody Blues es una banda Inglesa procedentes de Birmingham, que revolucionaron el sonido de los 60 y aceleraron la evolución del rock progresivo, catalogados por los mismísimos Pink Floyd como una de sus principales influencias. Especialmente con éste su segundo álbum de 1967  “Days of Future Passed”; una obra de arte excepcional, banda sonora llena de poesía y nostalgia. Disco inspirado a su vez en el “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, que recoge toda la influencia sinfónica y conceptual de este álbum para crear uno de los mejores discos que se han hecho.

 

 

La banda para este disco constó de Justin Hayward: guitarras, piano, teclados, voces,  John Lodge: bajo, guitarras, voces, Mike Pinder: teclados, melllotron, piano,voces,
Ray Thomas: flautas. Vientos, percusión, teclados, voces, Graeme Edge: batería, percusión.

Luego de la partida de Denny Leine (qué luego formaría parte de Wings con Paul y Linda McCartney) la banda incluye en sus líneas a Justin Hayward y John Lodge que cambiarían el sonido que hasta ese entonces la banda tenía. Con un Justin Hayward con influencias más folk, toma el timón y la banda se aleja del sonido R&B y le dan paso a la experimentación. Así lo vemos en este disco que aunque catalogado de psicodélico y tener unos pocos tintes de esto, podríamos colocarlo en la posición de rock sinfónico, con un sonido brillante y lleno de bellas texturas y ritmos, cortesía de la Orquesta del Festival de Londres y el arreglista Peter Knight más la acertada producción de Tony Clarke.

 

 

Para la realización de este disco la banda estaba totalmente fresca y con nuevos aires, inspirados. Con cada integrante de la banda contribuyendo a la composición, nos encontramos con un disco compacto, sólido, con delicadeces dignas del siglo XIX. Es así como nos entregan obras de arte como “Another Morning” un exquisito pop con sabor a psicodelia escrito por Ray Thomas, la hermosa balada  de John Lodge “Time to Get Away”, la exótica “The Sunset” escrita por Mike Pinder, y quizá las más populares del disco sean “Forever Afternoon (Tuesday?)” y “Nights in White Satin” escritas por Justin Hayward.

Vamos con las canciones abreboca; empezamos por mi favorita la festiva y con sabor al verano del amor “Another Morning”

 

 

 

Una de las primeras canciones escritas por Ray Thomas para la banda y la segunda donde podemos escucharlo como voz principal. Además de “Another Morning” Thomas contribuyó con otra de mis favoritas “Twilight Time”

Y ahora vamos con la más famosa de este disco y quizá de la banda la hermosa “Nights in White Satin”

 

 

 

 

Composición de Justin Hayward, llena de emoción y nostalgia que te hace poner la carne de gallina, con una voz potente y desgarradora por parte de Justin y un melotrón cortesía de Mike Pinder que acompañado de una de las mejores lineas sinfónicas que he escuchado te mete de lleno en la canción. Perfecta para una noche romántica o de melancolía.

 

 

Os dejo entonces este uno de mis discos conceptuales favoritos, una gloria para los oídos de quiénes saben apreciar la buena música.

 

Download Album Here: http://bit.ly/rjhynq

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Cream – Disraeli Gears

Cream es uno de los supergrupos más grandes de la historia musicalmente hablando; compuesto por verdaderos maestros como el guitarrista Eric Clapton, el bajista Jack Bruce, el batería Ginger Baker. Unos monstruos musicales! Más el liricista Peter Brown que colaboró con algunas letras.

Luego de su gran debút “Fresh Cream”, en 1967 estos genios nos traen su segundo disco de estudio “Disraeli Gears” (nombre que nació de una broma hecha en el estudio cuando Eric Clapton comentaba que quería comprar una bicicleta de carreras y Mick Turner un ayudante de la banda, mencionó que aquellas tienen un engranaje de desviación; “derailleur gears” en inglés, pero Mick confundió “derailleur” por “Disraeli” y les pareció gracioso ya que Disraeli es el apellido de Benjamin Disraeli, un primer ministro inglés del siglo XIX, y asi se quedó este nombre para el disco).

En este disco aunque catalogado de psicodélico (sobretodo por su genial portada hecha por el artista australiano Martin Sharp) es más bien una mezcla de un poderoso blues rock, con la delicadeza compositiva del jazz, que con el tiempo se conformó en la semilla del Hard Rock y lo que luego sería el heavy metal.

Una particularidad de este disco y de la banda en general es que todos brillan por igual, aquí el bajo, la batería y la guitarra compiten y no hay líder fijo. La virtuosidad instrumental de cada uno de estos músicos hace a esta banda el mayor power trío en la historia musical.

Es así como al escuchar canciones como ”We’re Going Wrong” en la cuál Jack Bruce se luce con su voz o ”World of Pain” con una fusión de las voces de  Clapton y Bruce maravillosa, o “Strange Brew” donde se explora la habilidad de cada uno, o la perfecta “Tales Of Brave Ulysses” que es mi favorita del disco. Pero quizá el tema más famoso de este disco y de la banda misma sea “Sunshine Of Your Love”

Escrita por Jack Bruce, Eric Clapton y la letra de Peter Brown, nos presenta quizá el riff más popular de la historia. La canción fue escrita luego de que Clapton y Bruce fueron a un concierto de The Jimi Hendrix Experience, Bruce escribió el tan famoso riff, Brown escribió la letra, Clapton escribió el puente que daría nombre a la canción y también el tan aclamado solo, y a Ginger Baker se le atribuye el tempo como de tribu africana. Una obra de arte.

Así que ha escuchar uno de los mejores álbumes que nos dió la década del 60, infaltable en cualquier colección discográfica melomaniaca.

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Procol Harum – Procol Harum

 

Procol Harum es una banda Inglesa, que sería una de las pioneras en el llamado rock progresivo y una de las bandas más influenciables de todos los tiempos. Marcando la pauta junto con The Ventures en el sonido de las bandas de latinoamérica en los años 70. Formada por Matthew Fisher en teclados, Dave Knights en el bajo,  B.J. Wilson en la batería, Robin Trower en guitarra, Gary Brooker en piano y voces, y el poeta  Keith Reid en las lyrics.

 

 

Cuando se habla de Procol Harum de inmediato se nos viene a la cabeza (para los que conocemos de música por lo menos) su single “A Whiter Shade of Pale”, single que se ha convertido en canción de culto con el pasar de los años, y es precisamente el éxito de este single el que opaca su disco debút (Procul Harum) por no decir que ha opacado toda su carrera musical, haciendo que esta banda entre en el grupo de las “one hit wonder”.

Pero para los que han tenido, tienen, y tendrán la suerte de escuchar el disco completo se encontrarán con una obra totalmente sobria, estilizada, barroca, casi a un paso de la perfección. Con toques enigmáticos y victorianos, canciones fuera de lo común, obra digna del mágico 1967.

 

 

Y claro no podemos dejar de mencionar su mayor hit, su legado en la historia musical; A Whiter Shade of Pale. Canción que nace de la mano de Keith Reid. Cuenta la historia que Keith escuchó esta frase “A Whiter Shade of Pale” en una fiesta, y la frase se le quedó en su cabeza y escribió los versos de la canción, donde entre metáforas se relata un encuentro que termina siendo sexual entre copa y copa.

La música fue escrita por Gary Brooker y Matthew Fisher. Fisher nos regala una hermosa línea de órgano que es lo más característico de la canción. Al escucharla nos recuerda claramente a Johann Sebastian Bach.

La canción de inmediato llegó a los puestos más altos de las listas musicales mundiales y se ha convertido en todo un clásico, siendo nombrada el mejor single Pop de Gran Bretaña, por encima de cualquier otro single de cualquier banda, inclusive de The Beatles. También se dice que John Lennon era un gran fan de esta canción y la repetía sin cesar.

He aquí la magna obra de esta banda:

 

 

Procol Harum continúo su carrera, editando discos y haciendo giras hasta el día de hoy pero nunca más llegaron a tener el éxito obtenido con esta canción.

No te pierdas de escuchar el disco completo de esta banda, como siempre digo, es una joya que tiene que estar en la biblioteca musical de cualquier melómano que se respete.

 

Download Album Here: http://bit.ly/nxSPHJ

Size: 69 MB

 

 

 


Cuéntame esa Canción: Bob Dylan & Jimi Hendrix – All Along the Watchtower

 

All Along the Watchtower es una canción escrita por Bob Dylan para su álbum John Wesley Harding de 1967. Se dice que la inspiración detrás de la canción viene de la incursión de Bob Dylan en la religión cristiana luego de su accidente en 1966. En particular los versos del libro de Isaías, capítulo 21 versículos 5-9 (léase con tono sacerdotal). Cabe destacar que esta canción es la que más veces ha interpretado Bob en vivo, grabando versiones con The Grateful Dead y en su Unplugged también, así como es una de sus canciones más versionadas.

 

 

Justamente una de las versiones de esta canción está considerada como el mejor cover en la historia del rock, y la hizo nada más ni nada menos que el más grande guitarrista de todos los tiempos, Jimi Hendrix. Hendrix ya había hecho versiones de canciones de Dylan con anterioridad, como “Like a Rolling Stone”, y apenas escuchó esta canción se puso a grabarla para su tercer álbum de estudio con “The Experience”, en Electry Ladyland. Hendrix siempre había sentido admiración por la forma de escribir de Bob Dylan y decía que esta canción la sentía muy suya, como parte de una de sus tantas canciones sin terminar, pero Dylan lo inspiraba a seguir escribiendo. Como curiosidad en la grabación de la canción tenemos que Jimi Hendrix toca el bajo ya que Noel Redding bajista de The Experience se había marchado descontento con el proceso de grabación.

 

 

Esta versión de Jimi Hendrix con el tiempo se volvió más popular que la original, y hasta el mismísimo Bob Dylan diría en reiteradas ocasiones que la versión de Hendrix es su favorita de entre todas las que se han hecho de sus canciones. Hasta llegaría a decir que esta canción le pertenece a Hendrix por completo.

Luego de la muerte de Hendrix, Bob Dylan empezó a interpretar esta canción más frecuentemente en sus conciertos, y dice que lo hace al estilo de Hendrix, es su manera de rendirle tributo.

 


The Grateful Dead – The Grateful Dead

the grateful dead 1967

El primer álbum de The Grateful Dead, que para los fans a muerte o Deadheads es muy inferior a sus posteriores trabajos y hasta algunos no lo consideran en la discografía oficial de “The Dead”. Pero han sido muy injustos; ya que aunque este disco no cuente con el sonido “clásico” de The Dead y ni esten tan presentes las pistas psicodélicas, no lo hace un mal disco. Es más, este disco es uno de los más digeribles de la carrera de The Grateful Dead. Si eres un principiante o no te gusta mucho esta banda pues te recomiendo empezar por este disco, y podrás ver como empezó la magia para lo que fue luego.

 

Guiados por el indiscutible genio Jerry Garcia, la banda quería grabar en su ciudad San Franciso pero debido a la inexistencia de buenos estudios la banda grabó en los Angeles. Escogieron como productor a David Hassinger que había trabajado en el “(I Can’t Get No) Satisfaction” de The Rolling Stones y también en el “Surrealistic Pillow” de Jefferson Airplane donde Garcia estuvo como músico de estudio.

Ninguno de los demás músicos tenía experiencia grabando en estudios asi que fue un debut total. Pese a ello todos hacen un estupendo trabajo y nos regalan piezas únicas. Es agradable escuchar las raíces y el inicio de todo, donde escuchamos a un Jerry Garcia mas folk y con influencias Blues.

La portada fue otro punto clave que ayudó a alimentar la mitología de lo que luego sería The Dead, al tope podemos ver un mensaje críptico que algunos mencionan que proviene del libro de la muerte de los egipcios y dice lo siguiente: “In the land of the dark, the ship of the sun is driven by the Grateful Dead”; “En la tierra de la oscuridad, la nave del sol es impulsada por la muerte piadosa/agradecida”

Les dejo una de las mejores canciones de este álbum, una de larga duración que cierra el disco con broche de oro.

 

 

 

Download Album Here: http://bit.ly/pzpJYh

Size: 430 MB (Flac, Bonus Tracks)

 


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